S’intéressant à l’écrivain qu’est Régis Jauffret, Juan Carlos Zagal (fondateur avec Laura Pizarro, en 1987, de la compagnie La Troppa devenue en 2006 Teatrocinema) aurait pu, pour la scène et le théâtre, se saisir de Les Gouttes, pièce parue en 1985. Un des premiers textes du marseillais où, peut-être, comme ultérieurement dans Microfictions, chaque vie de personnage tiendrait dans une « goutte d’eau », c’est-à-dire un recto-verso. Une création soutenue et co-produite par la Scène Nationale de Sète... Le roman, lui, est édité aux éditions verticales.
Tout à commencer, ce soir-là , sur le plateau du Théâtre des Ateliers, à Aix en Provence, par une mauvaise connexion entre une caméra, un vidéo-projecteur et un ordinateur qui refusaient de travailler alors qu'ils devaient contribuer à la mise en place du dispositif qu'est « Racontez-moi une histoire de solitude ». Premier geste de metteur en scène ou presque, de Margaux Borel, jeune comédiene, qui avait une intention
Bien au-delà d'une complicité entre Richard Bohringer et Romane Bohringer, d'un père qui jouerait avec sa fille ou l'inverse, la pièce d'Angela Dematté J'avais un beau ballon rouge mise en scène par Michel Didym exigeait, parce que la fiction le prescrit, un père et sa fille. Sur la scène du Jeu de Paume, jusqu'au 9 février, les Bohringer, comme les Atrides, donnent corps à l'histoire tragique d'une famille Ou la variation contemporaine d'un drame intime et politique. Un peu moins de deux heures oà¹, dans la lignée d'un art militant et d'une pratique politique du théâtre, Didym engage l'art théâtral dans les voies qui peuvent être les siennes : un regard critique posé sur le champ social. Une pièce d'aujourd'hui...
Avec Tristesse Animal Noir, Stanislas Norday, prochain artiste associé du festival d'Avignon revient en forêt. Dans le prolongement des Aveugles de Maeterlinck, de This is how you will disappeared de Gisèle Vienne, de Walden ou la vie dans les bois Jean-Francois Peyret Norday raconte ce qui se passe à l'épreuve du feu
Avec Le Bourgeois gentilhomme mis en scène par Denis Podalydès, Le théâtre de la Criée et celui du Gymnase (associés pour l'occasion alors que l'on inaugure les festivités de Marseille capitale culturelle européenne) auront proposé un peu plus qu'un divertissement. Peut-être un instant poétique et certainement un intervalle critique o๠l'art d'hier et d'aujourd'hui exige toutes les libertés.
Après avoir déjà monté le Macbeth de Shakespeare en 1987, Ivo van Hove met en scène l'adaptation en quatre actes qu'en a fait Giuseppe Verdi pour l'opéra, sur un livret de Francesco Maria Piave. Il s'appuie sur la seconde version présentée à l'Opéra de Paris en 1865, qui révise la version initiale créée en 1847 à Florence. L'artiste belge flamand, qui dirige depuis 2001 la plus grande compagnie de théâtre des Pays-Bas, le Toneelgroep d'Amsterdam, signe ici sa neuvième mise en scène d'opéra après Lulu de Berg (1999), L'Affaire Makropoulos de Janà¡Äek, Iolanta de Tchaà¯kovsky (2004), la tétralogie wagnérienne de L'Anneau du Nibelung (L'Or du Rhin, La Walkyrie, Siegfried, Le Crépuscule des dieux, 2006-2008), et Idoménée de Mozart (2010). Macbeth de Verdi se joue à l'Opéra de Lyon du 13 au 27 octobre 2012, sous la direction musicale de Kazushi Ono, dans une mise en scène audacieuse qui bouscule les codes et conventions opératiques.
Accompagnés dans leur pratique et leur projet artistique par Alain Platel, Miguel Moreira et Romeu Runa, portugais dans un pays exsangue, présentaient The Old King. Une œuvre chorégraphique écrite à partir d’une photographie de Daniel Blaufuks où un homme assis et déprimé, fume une cigarette en lisant un livre. Motif originel que les deux artistes filent en travaillant l’idée d’un assaut, d’une résistance où corps et discours sont le lieu d’une construction sensible… Saisissant et profondément humain.
Jeudi 26 juillet, 17H30, on se presse pour assister à « Eugène Onéguine » de Pouchkine, par les élèves comédiens du TNS, dans le cadre des « Ecoles au festival ». Le public semble majoritairement constitué de membre de la famille, à la fois fiers et nerveux, venus soutenir leur progéniture pour ces premiers pas dans l’histoire avignonnaise. Trois heures de lecture du roman en prose, relayé tour à tour par les 13 jeunes filles et jeunes garçons qui, avec le support de l’œuvre, s’exercent à l’application de leur leçons de jeu et de diction. Un intérêt donc bien relatif pour un spectateur curieux des nouvelles formes, du déplacement du regard, et des enjeux d’espace et d’interprétation. Et le sentiment du vide pour le critique qui ne peut pas écrire sur une représentation qui n’a pas eu lieu. Que dire ? Parler de l’œuvre ? Cela ne me semble pas être l’endroit et, préfère avouer que je manquerais cruellement d’outils d’analyse. Je laisse le soin à ma collègue russe Anastasia Patts d’écrire d’une main bien plus experte sur Pouchkine et les enjeux traversés par les cultures russes et francaises1. Je m’en tiendrais à quelques observations agacées sur ce que je m’attendais à voir, et qui me fut allégrement servi.
Le collectif britannique Forced Entertainement présente deux propositions cette année à Avignon. « The coming storm » qui invite à reconsidérer les modalités narratives du théâtre, en multipliant les possibles de récits qui n’aboutissent jamais, et « Tomorrow’s parties », forme beaucoup plus modeste, proposée dans le cadre de la 25eme heure, qui pose littéralement la question d’un futur plus ou moins proche sur lequel on ne peut que spéculer. Cette dernière proposition, dans une écriture minimale et systématique, s’amuse à énumérer toutes les hypothèses de l’évolution de la planète terre et de ses habitants… au risque d’épuiser de la même manière ses spectateurs.
Au cloître des Carmes, du 22 au 28 juillet, Olivier Dubois propose « Tragédie » dans le cadre du 66ème Festival d’Avignon. Une aventure chorégraphique de l’humanité pour 18 danseurs. Ce spectacle est le troisième volet du triptyque composé de « Révolution » et « Rouge ». Une trilogie comme une devise ou comme un étendard que Dubois expose pour faire entendre « le sombre hurlement de la Résistance ». Trois créations qui forment une « étude critique pour un trompe l’œil ». Olivier Dubois est venu à la danse à 21 ans et cette échappée vers la danse n’était « pas négociable ». Il travaille comme danseur pour notamment Laura Simi et Damiano Foa, Karine Saporta, Angelin Prejlocaj et plus récemment avec Jan Fabre ou Sacha Waltz. En 2006, dans le cadre des Sujets à vif du festival d’Avignon, il compose « pour tout l’or du monde » qui dit-il le fait naître comme auteur. Il revient à Avignon pour Tragédie.
Ce soir-là, l’espace russe du premier quart du XIX-ème siècle avec des étudiants de la 2ème année de l’École Supérieure d’Art dramatique du Théâtre National de Strasbourg s’établit dans l’ITIS au Cloître Saint-Louis. La poésie de « Eugène Onéguine » d’Alexandre Pouchkine voltige dans la salle des spectateurs accablés d’une chaleur avignonnaise. On ne s’est pas passé sans clichés traditionnels : le rire du public après avoir entendu «l’ours » qui rattrapait Tatiana dans son rêve de fête de NoÑ‘l, et avant l’entracte : des petits-vers embués de la vodka offerts gentiment aux spectateurs par les jeunes comédiens. Jean-Yves Ruf dirigeant le travail de ses élèves a choisi pour sa mise en scène la traduction de ce roman en vers d’André Markowicz, d’origine russe, qui traduit la poésie de Pouchkine depuis l’âge de 17 ans.
Simon McBurney raconte avoir rencontré John Berger par le biais de la série d’émissions télévisées « Ways of Seeing » diffusée par la BBC au début des années 70. John Berger y questionnait l’histoire de l’art occidental à la fois d’un point de vue critique et politique, mais tout autant par une approche sensible et personnelle sur les oeuvres, avec son propre regard d’artiste.
A peine plus d’un an après Sur le concept de visage du fils de dieu, Romeo Castellucci, fidèlement accueilli par Vincent Baudriller et Hortense Archambault, revient au Gymnase Aubanel avec The Four Seasons Restaurant. Une œuvre forte qui magnifie le langage, et l’art, applaudit par un public encore trop timide. Faut-il rappeler qu’applaudir c’est aussi soutenir ce que d’aucun menace… J’aurais aimé une démonstration de puissance à l’endroit de cette œuvre pour rappeler que le mot de « communauté » qui désigne le peuple des spectateurs n’est pas un mot qui habille trop souvent, et juste, une clientèle composée de consommateurs.
pensée, une sorte de lien. Et s’il fallait revenir sur cet aspect, des processions grecques sur la skene à la scène contemporaine, en passant par Nietzsche, on trouverait encore dans les mots du philosophe du Gai savoir une actualité à ce qu’il écrivait : « les pieds ne cessent d’écrire ». Au risque de voir parfois les chorégraphes faire une légère entorse à l’ordre syntaxique et sémantique de cette pensée, puisque parfois, on est confronté à ceux qui « écrivent comme des pieds ». Olivier Dubois, avec Tragédies, pièce chorégraphique présentée dans la cour des Carmes, nous aura tenu alternativement dans l’un et l’autre de ces énoncés. Lui même ne sachant pas sur quel pied danser…
Ce soir la cours du lycée Saint-Joseph accueille Les contrats du commercant – Une pièce économique d'Elfriede Jelinek, mise en scène par Nicolas Stemann et le Thalia Theater. 3h45 de spectacle en allemand surtitré alors que le mistral se déchaine peuvent apparaître de prime abord comme une épreuve plutôt difficile à surmonter. Lorsqu'en début de spectacle le metteur en scène prend le micro pour nous expliquer le mode d'emploi de son spectacle, il semble confirmer l'énormité du challenge.
Schématique, simpliste, grossier, Ten Billion est une soupe confectionnée par Katie Mitchell (dans quoi est-elle aller se fourvoyer ?) et Stephen Emmott, scientifique professionnel de la communication. Dans un décor de bureau, sur un tableau qui reprend les vignettes et signalétiques de la multinationale pour laquelle il œuvre, le conférencier fait le tableau de l’avenir. Genre monsieur météo des catastrophes. Une conférence qui lorgne du côté d’un nouveau genre dramatique où poétique et esthétique sont absents. 90 minutes, paradoxalement, qui permettent de faire croire à l’éternité pour celui qui est venu vendre la fin du monde.
16h. Le vent souffle si fort que tous les bœufs doivent être sans cornes. Dans la fraîcheur de l'auditorium du Pontet est présentée aujourd'hui The animals and the children took to the streets, une pièce tout public de la compagnie anglaise 1927.
Pour son quatorzième passage au festival d'Avignon, Romeo Castellucci propose The Four Seasons Restaurant. Cette nouvelle création vient clore le triptyque dont les deux premiers volets étaient Le voile noir du pasteur (mars 2011) et Sur le concept du visage du fils de Dieu, présenté l'année dernière à Avignon.
Au pontet, dernière semaine du 66ème festival d’Avignon, fin de la représentation du « Berceau de l’humanité » de Steven Cohen. En l’attente de la navette qui nous ramène au cœur d’Avignon, deux jeunes s’interrogent sur le spectacle auquel ils viennent d’assister. Leurs interrogations renvoient à la conférence de presse donnée par Steven Cohen qui explique que dans son travail, il ne cherche ni à être didactique, ni à être clair. Pour ce performer sud africains, ses projets sont une manière de provoquer les questionnements des spectateurs en utilisant des images singulières qui ne renvoient pas à du cliché. Façon de contrecarrer la réduction de la pensée liée à l’utilisation d’images connues dans lesquels l’imaginaire sombre. Les jeunes gens m’interpellent lors d’un deal : une cigarette contre des éclaircissements. S’ensuit alors une tentative d’explication de la perception de ce travail : Steven Cohen, son berceau, son humanité.
A Vedène, espace Bardi, Steven Sohen et Nomsa Dhlamini présentaient une performance Le berceau de l’humanité. Une heure où l’inconnu et l’étrangeté pour autant qu’ils pourraient s’inscrire dans une esthétique de la provocation ne réfléchiraient alors qu’un ordre figé de la représentation. Une pièce poétique où le corps fardé de blanc de Steven Cohen ne l’est que pour échapper à l’homme « blanc pâle ». Performance où le corps est un axe.