Tout à commencer, ce soir-là , sur le plateau du Théâtre des Ateliers, à Aix en Provence, par une mauvaise connexion entre une caméra, un vidéo-projecteur et un ordinateur qui refusaient de travailler alors qu'ils devaient contribuer à la mise en place du dispositif qu'est « Racontez-moi une histoire de solitude ». Premier geste de metteur en scène ou presque, de Margaux Borel, jeune comédiene, qui avait une intention
Bien au-delà d'une complicité entre Richard Bohringer et Romane Bohringer, d'un père qui jouerait avec sa fille ou l'inverse, la pièce d'Angela Dematté J'avais un beau ballon rouge mise en scène par Michel Didym exigeait, parce que la fiction le prescrit, un père et sa fille. Sur la scène du Jeu de Paume, jusqu'au 9 février, les Bohringer, comme les Atrides, donnent corps à l'histoire tragique d'une famille Ou la variation contemporaine d'un drame intime et politique. Un peu moins de deux heures oà¹, dans la lignée d'un art militant et d'une pratique politique du théâtre, Didym engage l'art théâtral dans les voies qui peuvent être les siennes : un regard critique posé sur le champ social. Une pièce d'aujourd'hui...
Avec Tristesse Animal Noir, Stanislas Norday, prochain artiste associé du festival d'Avignon revient en forêt. Dans le prolongement des Aveugles de Maeterlinck, de This is how you will disappeared de Gisèle Vienne, de Walden ou la vie dans les bois Jean-Francois Peyret Norday raconte ce qui se passe à l'épreuve du feu
Avec Le Bourgeois gentilhomme mis en scène par Denis Podalydès, Le théâtre de la Criée et celui du Gymnase (associés pour l'occasion alors que l'on inaugure les festivités de Marseille capitale culturelle européenne) auront proposé un peu plus qu'un divertissement. Peut-être un instant poétique et certainement un intervalle critique o๠l'art d'hier et d'aujourd'hui exige toutes les libertés.
Après avoir déjà monté le Macbeth de Shakespeare en 1987, Ivo van Hove met en scène l'adaptation en quatre actes qu'en a fait Giuseppe Verdi pour l'opéra, sur un livret de Francesco Maria Piave. Il s'appuie sur la seconde version présentée à l'Opéra de Paris en 1865, qui révise la version initiale créée en 1847 à Florence. L'artiste belge flamand, qui dirige depuis 2001 la plus grande compagnie de théâtre des Pays-Bas, le Toneelgroep d'Amsterdam, signe ici sa neuvième mise en scène d'opéra après Lulu de Berg (1999), L'Affaire Makropoulos de Janà¡Äek, Iolanta de Tchaà¯kovsky (2004), la tétralogie wagnérienne de L'Anneau du Nibelung (L'Or du Rhin, La Walkyrie, Siegfried, Le Crépuscule des dieux, 2006-2008), et Idoménée de Mozart (2010). Macbeth de Verdi se joue à l'Opéra de Lyon du 13 au 27 octobre 2012, sous la direction musicale de Kazushi Ono, dans une mise en scène audacieuse qui bouscule les codes et conventions opératiques.
Accompagnés dans leur pratique et leur projet artistique par Alain Platel, Miguel Moreira et Romeu Runa, portugais dans un pays exsangue, présentaient The Old King. Une œuvre chorégraphique écrite à partir d’une photographie de Daniel Blaufuks où un homme assis et déprimé, fume une cigarette en lisant un livre. Motif originel que les deux artistes filent en travaillant l’idée d’un assaut, d’une résistance où corps et discours sont le lieu d’une construction sensible… Saisissant et profondément humain.
Jeudi 26 juillet, 17H30, on se presse pour assister à « Eugène Onéguine » de Pouchkine, par les élèves comédiens du TNS, dans le cadre des « Ecoles au festival ». Le public semble majoritairement constitué de membre de la famille, à la fois fiers et nerveux, venus soutenir leur progéniture pour ces premiers pas dans l’histoire avignonnaise. Trois heures de lecture du roman en prose, relayé tour à tour par les 13 jeunes filles et jeunes garçons qui, avec le support de l’œuvre, s’exercent à l’application de leur leçons de jeu et de diction. Un intérêt donc bien relatif pour un spectateur curieux des nouvelles formes, du déplacement du regard, et des enjeux d’espace et d’interprétation. Et le sentiment du vide pour le critique qui ne peut pas écrire sur une représentation qui n’a pas eu lieu. Que dire ? Parler de l’œuvre ? Cela ne me semble pas être l’endroit et, préfère avouer que je manquerais cruellement d’outils d’analyse. Je laisse le soin à ma collègue russe Anastasia Patts d’écrire d’une main bien plus experte sur Pouchkine et les enjeux traversés par les cultures russes et francaises1. Je m’en tiendrais à quelques observations agacées sur ce que je m’attendais à voir, et qui me fut allégrement servi.
Le collectif britannique Forced Entertainement présente deux propositions cette année à Avignon. « The coming storm » qui invite à reconsidérer les modalités narratives du théâtre, en multipliant les possibles de récits qui n’aboutissent jamais, et « Tomorrow’s parties », forme beaucoup plus modeste, proposée dans le cadre de la 25eme heure, qui pose littéralement la question d’un futur plus ou moins proche sur lequel on ne peut que spéculer. Cette dernière proposition, dans une écriture minimale et systématique, s’amuse à énumérer toutes les hypothèses de l’évolution de la planète terre et de ses habitants… au risque d’épuiser de la même manière ses spectateurs.
Au cloître des Carmes, du 22 au 28 juillet, Olivier Dubois propose « Tragédie » dans le cadre du 66ème Festival d’Avignon. Une aventure chorégraphique de l’humanité pour 18 danseurs. Ce spectacle est le troisième volet du triptyque composé de « Révolution » et « Rouge ». Une trilogie comme une devise ou comme un étendard que Dubois expose pour faire entendre « le sombre hurlement de la Résistance ». Trois créations qui forment une « étude critique pour un trompe l’œil ». Olivier Dubois est venu à la danse à 21 ans et cette échappée vers la danse n’était « pas négociable ». Il travaille comme danseur pour notamment Laura Simi et Damiano Foa, Karine Saporta, Angelin Prejlocaj et plus récemment avec Jan Fabre ou Sacha Waltz. En 2006, dans le cadre des Sujets à vif du festival d’Avignon, il compose « pour tout l’or du monde » qui dit-il le fait naître comme auteur. Il revient à Avignon pour Tragédie.
Ce soir-là, l’espace russe du premier quart du XIX-ème siècle avec des étudiants de la 2ème année de l’École Supérieure d’Art dramatique du Théâtre National de Strasbourg s’établit dans l’ITIS au Cloître Saint-Louis. La poésie de « Eugène Onéguine » d’Alexandre Pouchkine voltige dans la salle des spectateurs accablés d’une chaleur avignonnaise. On ne s’est pas passé sans clichés traditionnels : le rire du public après avoir entendu «l’ours » qui rattrapait Tatiana dans son rêve de fête de NoÑ‘l, et avant l’entracte : des petits-vers embués de la vodka offerts gentiment aux spectateurs par les jeunes comédiens. Jean-Yves Ruf dirigeant le travail de ses élèves a choisi pour sa mise en scène la traduction de ce roman en vers d’André Markowicz, d’origine russe, qui traduit la poésie de Pouchkine depuis l’âge de 17 ans.
Simon McBurney raconte avoir rencontré John Berger par le biais de la série d’émissions télévisées « Ways of Seeing » diffusée par la BBC au début des années 70. John Berger y questionnait l’histoire de l’art occidental à la fois d’un point de vue critique et politique, mais tout autant par une approche sensible et personnelle sur les oeuvres, avec son propre regard d’artiste.
A peine plus d’un an après Sur le concept de visage du fils de dieu, Romeo Castellucci, fidèlement accueilli par Vincent Baudriller et Hortense Archambault, revient au Gymnase Aubanel avec The Four Seasons Restaurant. Une œuvre forte qui magnifie le langage, et l’art, applaudit par un public encore trop timide. Faut-il rappeler qu’applaudir c’est aussi soutenir ce que d’aucun menace… J’aurais aimé une démonstration de puissance à l’endroit de cette œuvre pour rappeler que le mot de « communauté » qui désigne le peuple des spectateurs n’est pas un mot qui habille trop souvent, et juste, une clientèle composée de consommateurs.
pensée, une sorte de lien. Et s’il fallait revenir sur cet aspect, des processions grecques sur la skene à la scène contemporaine, en passant par Nietzsche, on trouverait encore dans les mots du philosophe du Gai savoir une actualité à ce qu’il écrivait : « les pieds ne cessent d’écrire ». Au risque de voir parfois les chorégraphes faire une légère entorse à l’ordre syntaxique et sémantique de cette pensée, puisque parfois, on est confronté à ceux qui « écrivent comme des pieds ». Olivier Dubois, avec Tragédies, pièce chorégraphique présentée dans la cour des Carmes, nous aura tenu alternativement dans l’un et l’autre de ces énoncés. Lui même ne sachant pas sur quel pied danser…
Ce soir la cours du lycée Saint-Joseph accueille Les contrats du commercant – Une pièce économique d'Elfriede Jelinek, mise en scène par Nicolas Stemann et le Thalia Theater. 3h45 de spectacle en allemand surtitré alors que le mistral se déchaine peuvent apparaître de prime abord comme une épreuve plutôt difficile à surmonter. Lorsqu'en début de spectacle le metteur en scène prend le micro pour nous expliquer le mode d'emploi de son spectacle, il semble confirmer l'énormité du challenge.
Schématique, simpliste, grossier, Ten Billion est une soupe confectionnée par Katie Mitchell (dans quoi est-elle aller se fourvoyer ?) et Stephen Emmott, scientifique professionnel de la communication. Dans un décor de bureau, sur un tableau qui reprend les vignettes et signalétiques de la multinationale pour laquelle il œuvre, le conférencier fait le tableau de l’avenir. Genre monsieur météo des catastrophes. Une conférence qui lorgne du côté d’un nouveau genre dramatique où poétique et esthétique sont absents. 90 minutes, paradoxalement, qui permettent de faire croire à l’éternité pour celui qui est venu vendre la fin du monde.
16h. Le vent souffle si fort que tous les bœufs doivent être sans cornes. Dans la fraîcheur de l'auditorium du Pontet est présentée aujourd'hui The animals and the children took to the streets, une pièce tout public de la compagnie anglaise 1927.
Pour son quatorzième passage au festival d'Avignon, Romeo Castellucci propose The Four Seasons Restaurant. Cette nouvelle création vient clore le triptyque dont les deux premiers volets étaient Le voile noir du pasteur (mars 2011) et Sur le concept du visage du fils de Dieu, présenté l'année dernière à Avignon.
Au pontet, dernière semaine du 66ème festival d’Avignon, fin de la représentation du « Berceau de l’humanité » de Steven Cohen. En l’attente de la navette qui nous ramène au cœur d’Avignon, deux jeunes s’interrogent sur le spectacle auquel ils viennent d’assister. Leurs interrogations renvoient à la conférence de presse donnée par Steven Cohen qui explique que dans son travail, il ne cherche ni à être didactique, ni à être clair. Pour ce performer sud africains, ses projets sont une manière de provoquer les questionnements des spectateurs en utilisant des images singulières qui ne renvoient pas à du cliché. Façon de contrecarrer la réduction de la pensée liée à l’utilisation d’images connues dans lesquels l’imaginaire sombre. Les jeunes gens m’interpellent lors d’un deal : une cigarette contre des éclaircissements. S’ensuit alors une tentative d’explication de la perception de ce travail : Steven Cohen, son berceau, son humanité.
A Vedène, espace Bardi, Steven Sohen et Nomsa Dhlamini présentaient une performance Le berceau de l’humanité. Une heure où l’inconnu et l’étrangeté pour autant qu’ils pourraient s’inscrire dans une esthétique de la provocation ne réfléchiraient alors qu’un ordre figé de la représentation. Une pièce poétique où le corps fardé de blanc de Steven Cohen ne l’est que pour échapper à l’homme « blanc pâle ». Performance où le corps est un axe.
Le Crash de la Mouette de Nauzyciel ne fait pas la mort d'une espèce. Aussi, plutôt que de revenir sur les raisons de la fuite en avant des spectateurs à l'entracte, sur ces "envolées des spectateurs" qui auront survécu en s'extrayant de la Cour d'Honneur, notre science critique préfère un poème de Malcolm Lowry. Parfois, quand il n'y à rien écrire que le pire, il vaut mieux encore se taire et inviter à lire...
Samedi 21 juillet, la cour d’honneur, le mistral et La Mouette.
Au départ une immense vidéo, celle de l’arrivée d’un train en gare de La Ciotat des frères Lumière comme pour nous signifier qu’on va faire là un long voyage. Cette vidéo est projetée à jardin sur une structure argentée, un mur de féraille sorti de terre à l’image d’un iceberg flottant sur la banquise. A cour une autre structure de fer est cette fois ci orientée à l’horizontale, légèrement bombée, une sorte d’abri en cas de tempête (ou de tente quechua). Enfin à l’avant scène, en plein centre, Nauzyciel a choisi d’installer l’estrade. Quatre petits mètres carrés de podium au milieu des 800 mètres carrées de la cour d’honneur d’où la parole jaillira la plupart du temps. Le tout parsemé d’une neige noire répendue sur l’ensemble du plateau. Le décor est planté.
Entre une silhouette vétue de noir qui va tomber morte à la suite d’un coup de feu. Une descente lente et maladroite du corps au ralenti qui ne se maîtrise pas. Il restera allongé là pendant qu’un premier pingouin habillé de noir et portant un masque grossier sort de sa cachette, derrière l’iceberg, et se dirige en avant scène sur le podium. Un pingouin à Avignon ? Je me rends compte alors que déjà je m’égare. Ressaisissement de ma pensée : « c’est La Mouette de Tchekhov. Nauzyciel a donc choisi un masque de mouette ». Et comme il « ne monte pas La Mouette » mais « La Mouette dans le Cour d’Honneur » la finesse des traits de la mouette svelte et agile, a laissé place à l’épaisseur du goéland. S’en suivent des ballets masqués interprétés par des comédiens pleins de bonne volonté, des musiciens perchés au loin dans un nid à l’abri des spectateurs, des voix luttant contre le mistral et tenant tant bien que mal le cap, un programme qui s’envole et vagabonde sur le plateau au gré de ses envies jusqu’à fuir définitivement, un cri de mouette imité par un guitariste plein d’entrain et puis au bout de deux heures l’entracte.
C’est à ce moment là que je me suis dit que ça faisait longtemps que je n’avais pas pêché et que je suis partie.
Cette nuit, la 25ème heure propose une performance. La performance m'intéresse particulièrement car elle rassemble des individus et leur permet de remuer, de secouer, d'interroger un problème, une question, en direct et en interaction. Le programme est alléchant et prometteur : le performeur Gaspard Delanoë, la danseuse de flamenco Yalda Younes et un traité de paix pour le Proche Orient. Un trio explosif. Prenez ces trois bombes, réunissez-les à des centaines de personnes à minuit et demie à Avignon et observez ce qui se passe.
15 %… Au regard du titre de la proposition scénique de Bruno Meyssat, il est prévisible que les jeux de mots qui concerneront ce travail le maintiendront en-dessous de ce pourcentage. Disons qu’il s’agira là d’un effet pervers de l’actualité qui permettrait de dire que ce spectacle est à l’image de la croissance espérée. Cela étant, à voir les réactions partagées de la salle, on pourra tout aussi bien dire que c’est le taux de rendement d’un livret poétique (produit hors cotation) et que finalement c’était inespéré. Ou comment un même objet produit des effets différents…
The old King est le fruit d'une collaboration au long cours entre les deux artistes portugais Miguel Moreira et Romeu Runa. Miguel Moreira est un metteur en scène qui travaille en particulier sur la question du corps. Le danseur Romeu Runa est connu pour avoir dansé aux Ballets C. de la B., à Gand, sous la direction d'Alain Platel. C'est ce dernier qui leur a offert la possibilité de travailler intensément à un projet de spectacle, tout en jouant, pour cette création, le rôle de producteur et de conseiller afin de les aider à « à ne pas s'éparpiller »1.
C’est dans la salle Benoit XII que la Compagnie Forced entertainment propose « The coming storm », (l’orage à venir). Un spectacle comme une promesse de ce qui adviendra. Un événement à attendre : coup de foudre ou tempête, meurtre en série ou drame social, quête initiatique ou aventure épique. Pour préparer ce qui est à venir, Le plateau est bien rangé. Il a tous les éléments basiques pour commencer une première répétition. Des chaises empilées au fond, un piano, une batterie, deux portants à roulette avec leurs cintres : supports aux costumes pendus, un seul microphone en avant scène. Des éléments dont l’utilisation durant le spectacle est incertaine. La salle comme la scène sont allumées. Une transparence, une porosité entre les deux espaces qui tranchent avec le titre qui engage une promesse et le nom de la compagnie qui affirme un divertissement.
Au Gymnase Paul Giéra, Fanny Bouyagui présente "Soyez les Bienvenus"... une exposition plastique qu'on lit comme une pensée d'Heiner Müller où la périphérie pauvre de l'Afrique est la poubelle de l'occident... A voir jusqu'au 28 juillet.
Eglise des Célestins, Sophie Calle a déposé « Rachel, Monique », une exposition ou plutôt une chambre funéraire où la présence de la mère, mortele 15 mars 2006, est le motif central du geste de l’artiste. Où l’esquise d’un dernier entretien infini d’une fille à sa mère…
Une énième fois, après Maison de Poupée, Solness le constructeur, Hedda Gabbler, John Gabriel Borkman et prochainement Les Revenants, Thomas Ostremeier vient à Ibsen en proposant, place de l’horloge, dans le cadre du 66ème Festival d’Avignon, et sur fond de crise mondiale, Un Ennemi du peuple. Une nouvelle immersion dans une œuvre dramatique du XIXème siècle qui, adaptée aux enjeux économico-politico-moraux d’aujourd’hui fait entendre (et la salle y participera) une bronca contre le monde politique et ses valets. Etrange moment où les spectateurs deviennent les aficionados d’une mise en scène qui leur demandait de prendre le temps de la réflexion. Un moment dans la lignée du renoncement et du reniement de Galilée... entre drame et pitrerie.
chronique d'un spectateur qui fuit parfois le lieu où il devrait se tenir... "Tu t'en vas" est une auto-analyse, libre, qui porte sur le départ d'un spectateur du spectacle auquel il assiste... Au gré des idées, l'article sera augmenté. En l'état, c'est donc une sorte de road movie en construction
Reconstruction. Reconstitution. Montage et démontage de la mémoire. En escale à l’auditorium du Grand Avignon-Le-Pontet, le Mapa Teatro, dirigé par Rolf et Heidi Abderhalden, est invité pour la première fois en France, avec Los Santos Inocentes (Les Saints Innocents). Célébration douce amère d’une fête et d’un massacre, entre fiction et réalité.
Au gymnase Saint-Joseph, Christian Rizzo et Kerem Gelebek proposent Sakinan Goze Çop Batar. Une pièce chorégraphique de 50 minutes, une énigme qui alerte le regard.
Evénement présenté à l’auditorium du Grand Avignon-Le Pontet, la venue des colombiens du Mapa Teatro était espérée depuis longtemps. Attendus, les directeurs Heidi et Rolf Abderhalden y auront présenté Los Santos Inocentes (Les Saints Innocents ou L’innocence des Saints), une création née en 2010 au festival ibéroaméricano de théâtre de Bogota, et au Hau 2 de Berlin, dans le cadre du festival Liberté et Désordre. Los Santos Inoncentes figure l’un des trois volets du tryptique Anatomie de la violence en Colombie qui sera présenté en intégrale, en 2013.
Ramassée à gauche sur la page de couverture du programme délivré au public, la mention « d’après » – dans une police de caractère très fine qui contraste avec l’épaisseur des graisses d’encre rouge pour désigner le nom du metteur Stéphane Braunschweig – est lisible sans être vraiment remarquable. C’est pourtant à cet endroit du « D’après » qu’est l’enjeu de la mise en scène de Six Personnages en quête d’auteur de Luigi Pirandello, proposé aux Carmes. Ou une question qui se pose « Et qu’est-ce que c’est, un plateau de théâtre ? » dit la belle-fille.
Jerusalem Plomb durci… est le début du titre de la proposition du Collectif Winter Family, lequel se poursuit par « Un voyage halluciné dans une dictature émotionnelle ». Une pièce vidéo, sonore, visuelle, chorégraphiée, parlée, chantée… de 55 minutes de Ruth Rosenthal et Xavier Klaine, enregistrée, entre 2009 et 2010, présentée dans la Vingt cinquième heure.
Un écran à droite du public montre le processus de maçonnerie. Lentement, méticuleusement la bétonnière remue le béton pendant que rien ne se passe sur scène : dans l'obscurité un homme se prélasse sur un canapé blanc, juché sur une grande boîte de 2,5 mètres de hauteur avec des bâches opaques plastiques au lieu des murs. Voici l'image du début de la première de Conte d'amour de Markus Öhrn qui s'est tenu le 14 juillet dans la salle de spectacle de Vedène.
En commettant "Conte d’Amour", crée en 2010 à Berlin, sur la scène Avignonnaise, le vidéaste Markus OHRN et les quatre acteurs des compagnies finlandaise et suédoise Institutet et Nya Rampen s’ajoutent à la liste des créateurs radicaux du festival. Se hissent au rang des spectacles controversés sur lesquels le public, sans demi-mesure, gerbe ou applaudit, part ou reste. Trois heures durant, le Conte d’Amour enferme les spectateurs dans la vie de famille de Fritzl, cet autrichien qui a séquestré pendant 24 ans sa fille et les enfants qui sont nés de leurs rapports incestueux.
Chère Régine Chopinot, Cher Jérôme Bel,
Je viens de partager vos propositions au 66ème festival d’Avignon : Very Wert et Disabled theater...
De Disabled Theater de Jérome Bel…
Fidèle à son esthétique minimaliste, Jérôme Bel signe avec les onze acteurs handicapés du Theater Hora une œuvre qui repousse une nouvelle fois les limites de la représentation. Construit autour du processus de travail qu’il a instauré avec les interprètes trisomiques âgés de 18 à 51 ans , le chorégraphe français explore dans "Disabled Theater" la relation que ces acteurs professionnels entretiennent avec le plateau. Une minorité à la marge de la société s'adresse au "gens normaux".
En ce 13 juillet on s’approche de la salle de spectacle en plein air dans la cour du lycée Mistral. Le soleil s’est presque couché et le sable inattendu surgit sous les pieds, soigneusement versé par des organisateurs de la représentation. Ce n’est pas au hasard qu’on se retrouve près du lycée : il vaux mieux se plonger dans l’ambiance scolaire pour entrer dans l’espace de La Faculté d’Éric Vigner, le premier résultat du projet expérimental de ce metteur en scène qui s’appelle « L’Academie du CDDB-Théâtre de Lorient ». Elle rassemble des jeunes étrangers qui donneraient une nouvelle bouffée d’oxigène au théâtre. Des français d’origine étrangère (Mali, Maroc, Israël) et des étrangers (Corée, Allemagne, Roumanie, Belgique) y sont intégrés. Il y en a aussi deux venus de l’Autriche et des États-Unis, qui n’ont été invités que pour cette pièce, écrite par Christophe Honoré spécialement pour les acteurs de l’Academie.
Au gymnase du Lycée Saint-Joseph, Lina Saneh et Rabih Mroué convoquent le spectateur une petite heure pour 33 tours et quelques secondes. Une pièce, on dira volontiers un DISPOSITIF, qui met en scène l’Absence…
La chorégraphe Régine Chopinot, invitée sous son nom de compagnie Cornucopiae, dévoile sa création Very Wetr, co-construite avec la compagnie de danse kanak Wetr du 9 au 16 Juillet au cloitre des Célestins. Ce spectacle a vu le jour suite à plusieurs voyages de Régine Chopinot sur l’ile de Lifou, les terres natales de la compagnie kanak. Echange, partage, rencontres autour de la danse, ont permis différents essais chorégraphiques. S’en suit une proposition de présenter le fruit de cette collaboration sur scène pour la 66 ème édition du festival d’Avignon. Pourquoi pas ? Sur scène, onze artistes kanak présentent leur danse sous l’œil et la parole de la chorégraphe. Entre arts et anecdotes de vie, on ne sait pourtant plus très bien à la fin sur quel pied danser.
De multiples questions éthiques et esthétiques se lèvent quand on parle de l’art des handicapés mentaux, quoi qu’il en soit : peinture, théâtre, musique, écriture. A-t-on le droit de le traiter comme l’art « des normaux » mais différent? Est-ce qu’il représente un art à part entière avec le label «spécifique » ? Ou alors cette création ne présente-t-elle que le résultat de l’art-thérapie ?
Une agitation à peine saisissable flotte dans la salle Benoît-XII. En attendant une représentation au festival d’Avignon du Disabled Theater, le 13 juillet, des spectateurs s’apprêtent à se retrouver face à face à ceux qui sont rejetés par la societé : acteurs en situation de handicap mental, notamment, qui ont le syndrome de Down. Participant au Theater Hora, fondé en 1993 à Zurich, ils sont des acteurs professionnels, ayant une pratique du théâtre et une expérience du public. Michael Elber, metteur en scène de ce théâtre, exécute des répétitions avec ses artistes, montant des spectacles d’après les pièces de Shakespeare, Conrad ou Fellini.
Jérôme Bel, cherchant au cours de sa voie artistique de nouvelles formes d’art qui contiendraient un défi contre le régime économique et social, a été invité par Michael Elber pour diriger le travail des comédiens. Il a eu la pratique du théâtre « documentaire » avec des danseurs (Véronique Doisneau en 2004, Pichet Klunchun and Myself en 2005, Cédric Andrieux en 2009), dont empreintes se dévoilent dans le « Disabled Theater ».
La Nuit Tombe une fois de plus sur le festival d’Avignon en ce 11 Juillet, il est 22h. Sous les voûtes fraiches de la Chapelle des Pénitents Blancs, contrastant avec la chaleur écrasante de cette après-midi, Guillaume Vincent nous livre sa première création en tant qu’auteur, La nuit tombe... Le choix de la Chapelle du Pénitent Blanc, salle limitée en nombre de places, environ une centaine de sièges, n’est pas un choix opéré par hasard. Nous voici confinés entre deux arcades. Les projecteurs sont éteints. Nous prenons place dans l’obscurité. Face à nous, sur scène, une grande fenêtre. Par derrière, la nuit est évoquée sur grand écran couvrant ainsi toute la surface du fond de la scène. De nombreux nuages gris traversent l’écran dans un rythme lent et ce de manière constante ... En fond sonore, le bruissement du vent, qui se ressent sur la scène par l’ondulation silencieuse des rideaux. Un lit, une chaise, un miroir, un canapé, deux portes placées au fond de la scène, le silence dans la salle… Et l’histoire commence… Ou plutôt trois histoires, qui se croisent et s’imbriquent dans une trame dramatique reliant les personnages entre eux et plus subtilement des objets. Susann, Wolfgang et deux sœurs se partagent la chambre et pourtant ne se connaissent pas. Des temporalités différentes se construisent et des situations des plus imprévues se déroulent. Leurs psychologies respectives se révèlent en toute intimité, laissant place à l’ironie en même temps que l’effroi. A la manière de Barton Fink des frères Cohen, la chambre d’hôtel devient le lieu de tous les possibles. Guillaume Vincent signe ici un renouveau dans la mise en scène en s’inspirant de traditions littéraires françaises évoquant la psychologie et l’imaginaire, mais se nourrissant également d’œuvres théâtrales étrangères et surtout cinématographies. Une simple chambre d’hôtel. Un plongeon à mi-chemin entre des tranches de vie presque ordinaires et des univers nous troublant les frontières du réel.
Avignon. 66ème édition. Salle du Gymnase du lycée Mistral. Neuf juillet 2012. Décollage prévu à dix-huit heures. Atterrissage programmé une heure et demi plus tard. Le vol durera en fin de compte une heure de moins que ce qui avait été initialement estimé par la pilote Séverine Chavrier.
Architecte de l’aéroport: Vincent Gadras. Néons: Christian Dubet. Sons et bruits: Philippe Perrin. Vidéo(-surveillance): Benoît Simon et Jules Zingg. Habillage: Laure Maheo.
Copilotes, touristes, errants : Bénédicte Cerutti, Séverine Chavrier, Marta Izquierdo Muñoz, Mika Kaski, Laurent Papot et Hugo Cardinali.
Instruments de travail: écrans numéro 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7..., caméra numéro 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7... appareil photographique numérique, microphones VHS, tapis roulant, espace SPA de détente, salle d’attente fumoir, bar et un piano à queue.
Compagnie de voyage: Plage ultime, soit «la dernière chance», selon l’expression italienne «spiaggia ultima».
Vaste immensité pour un seul homme lorsque John Berger traverse le plateau de la Cour d’honneur du Palais des Papes. A ciel ouvert, sous l’étoile polaire, l’auteur et directeur de la mise en lecture de De A à X annonce avec humilité que nous patienterons avec l’écoute de la fin d’une émission de France Culture. La chaîne de radio, captant et diffusant en direct la lecture portée par Juliette Binoche et Simon McBurney en ce dix juillet 2012 a un peu de retard sur son programme. Deux chroniqueurs débattent autour du sort réservé à un terroriste-meurtrier. Coïncidence avec ce qui va suivre ? La correspondance avec celle de l’histoire de A à X ne relève certainement pas du pur hasard. A la fin de l’émission l’annonce de la météo pour le lendemain ne trompe plus, l’introduction radiophonique du spectacle révèle le conciliabule entre John Berger et France Culture pour cette Première.
Puz/zle est la dernière création chorégraphique de Sidi Larbi Cherkaoui, montée spécialement pour les Carrières de Boulbon. Thème principal du spectacle, la pierre s’est trouvée être un matériau de recherche pour le corps des danseurs. La danse physique et théâtrale se met au service d’un mouvement de reproduction permanent.
De 18h à 1h00 du matin, traversée du 10 au 11 juillet 2012, en compagnie de deux metteurs en scène britanniques jouant d’inventivité et d’intelligence pour traduire chacun l’esprit d’un roman sur un plateau. Des « Anneaux de Saturne » de W.G.Sebald au gymnase Aubanel mis en scène par Katie Mitchell au « Maître et Marguerite » de M. Boulgakov dans la Cour d’honneur mis en scène par Simon McBurney, le festival d’Avignon invite à découvrir la projection sur scène de ces deux romans. Ces deux créateurs font ainsi le passage du roman à la scène impulsant un dialogue entre le présent du théâtre et l’intemporalité de l’écriture. Ces deux romans de nature et de contexte différents traversent ou se font l’écho de lieux et de temps multiples. C’est le narrateur de Sebald hospitalisé qui se souviens de sa randonnée sur la côte est de l’Angleterre. Un souvenir qui l’entraine dans un vagabondage intérieur et extérieur, évoquant les traces visibles dues aux destructions des bombardements allemands du 20ème siècle en passant par les batailles navales imaginées du 17ème, vagabondant de la dissection Adriaan Adriaanszoon rendu célèbre par Rembrant à la libération des camps de concentration. C’est chez Boulgakov, les trois narrations concomitantes et entremêlées : de Moscou des années 30 à Jérusalem de Ponce Pilate en passant par le bal organisé par Satan où Marguerite accepte d’en être la reine pour retrouver son Maître. C’est pour « le Maitre et Marguerite «, la présence du danger et du carcan staliniste persécutant les croyances et l’imaginaire.
Rarement la Cour d’Honneur du Palais des Papes aura été l’endroit, pris dans toutes ses dimensions, de l’attention d’un metteur en scène qui, en recourant à une techonologie mise au service d’une œuvre, vient bouleverser l’architecture patrimoniale de cet espace si symbolique. McBurney et son « Maître et Marguerite » s’y livrent dans une déambulation fantastique où le roman de Boulgakov, déjà déboussolant, trouve une dimension aérienne. Après Papperlapap de Marthaler, voilà le pepper papal McBurney
Le performeur Steven Cohen ébranle son public avec ses inclassables interventions données dans les lieux difficiles à imaginer d'être ceux pour une représentation théâtrale. Alors, le 11 juillet 2012 le public est invité dans un lieu secret et normalement caché des regards des autres: le sous-sol de la scène de la Cour d'honneur du Palais des Papes en Avignon. Des spectateurs vont porter témoignage de la naissance de la performance de Steven Cohen « Sans titre. Pour raisons légales et éthiques ». Les réflexions de Cohen sur le journal intime d'un juif ayant vécu en France pendant la Seconde Guerre mondiale sont devenues une source de cette création. Toutefois, le thème de l'Holocauste et du racisme n'est pas trop loin du performeur même : ses grands-parents juifs ont échappé au régime nazi s'étant abrités en Afrique du Sud.
Quoi de mieux que la Place de l’Horloge pour présenter Refuse the Hour de William Kentridge et ses collaborateurs : Philip Miller à la musique, Dada Masilo à la danse, Catherine Meyburgh à la vidéo et Adam Howard à la direction musicale. Dans une improbable installation de machines, de dessins et d’instruments, les danseurs et chanteurs, pendant plus d’1h30, mettent en place une époustouflante célébration du temps.
Au gymnase Aubanel, Kathie Mitchell présente Les anneaux de Saturne de Sebald. Où une épure rare et intense livrée dans un geste humble et rigoureux. Une profondeur extrême fascinante. Dans la parenté de l'univers visuel de Tarkovski et des photos brisées de Francesca Woodman.
A la Manufacture, le préau CDR de Vire s’est installé pendant toute la période du festival pour présenter « En travaux » écrit et mis en scène par Pauline Sales1. Pendant une heure trente, une collision de deux êtres que tout oppose se déploie. Lui, c’est un homme, André, chef de chantier, français. Elle, une femme, Sveltana, biélorusse. Elle travaille dans le bâtiment. Elle n’est pas blonde, pas grande, elle n’attend pas les clients sur les boulevards des métropoles d’Europe occidentale. Elle construit les maisons, les appartements de cette même Europe. Il construit aussi, ces maisons, ces appartements, mais il bâtit depuis son enfance sa vie ici, pierre après pierre, des clichés et des certitudes bien encrées. Il l’a embauchée pensant qu’elle était il. Mais c’est elle. Elle, sous les ordres, construit ici, ne pouvant plus construire où « ils ne font à plus à manger ». Les deux comédiens Anthony Poupard et Hélène Viviès racontent par éclats, par fragments, des épisodes de cette rencontre et les impacts qui en découlent.
Avec Meine Faire Dame. Ein Sprachlabor, Christoph Marthaler s’intercale dans l’histoire des mythes du cinéma hollywoodien, au moment où ceux-ci s’affrontent au développement de la télévision, dans les années 50. Moment de crise de la Comédie musicale donc où My Fair Lady, tourné par Georg Cukor en 1964, peut apparaître comme le chant du cygne d’une époque et d’un « genre ». Salle Vedène, c’est sur ces ruines, que Marthaler livre une création drôlatique, clownesque et lyrique. Une sorte de comédie déjentée délivrée par des interprètes tout à la fois habités et distanciés. Ou quand la grâce apparaît dans la farce.
Artiste invité au côté de son ami Simon Mac Burney, John Berger propose sous forme de lettres un brillant pamphlet où la voix de la lutte et celle de l’amour s’unissent et se confondent. C’est entre les hauts murs du Palais des Papes, troués de fenêtres à la manière d’une prison, que Juliette Binoche et Mac Burney se livrent à une formidable correspondance épistolaire où s’entremêlent douceur et gravité.
Une forme nouvelle
Pour le 66ème festival d'Avignon, Nacera Belaza présente Le trait. Cette création se joue à la salle polyvalente de Montfavet à dix-huit heures. La chorégraphie de quatre-vingt minutes se compose de trois tableaux : Le cercle, un duo interprété par Mohamed Ali Djermane et Lofti Mohand Arab, Le coeur et l'oubli par Dalila Belaza, et La nuit par Nacera Belaza. La première et la troisième parties sont chorégraphiées par Nacera Belaza, la deuxième par sa sœur. Ces trois fragments disparates sont reliés par une infime signature, un trait énigmatique. Quelle est la relation entre ces trois éléments? Comment fonctionnent-ils? Cette chorégraphie est l'occasion pour Nacera Belaza de créer d'une nouvelle manière.
Le théâtre du petit chien ouvre le festival Off d’Avignon avec le diptyque d’Yvette Guilbert, chanté par Nathalie Joly. ‘En v’là une drôle d’affaire’ ébauche les textes et récits de la vie de cette « diseuse fin de siècle » (surnom fait par Jehan Sarrazin, son directeur artistique en 1892). Yvette Guilbert, qualifiée de féministe et cocasse, a vécu entre la critique et la fascination du public pour ses chansons au ton cruel et dérisoire. Le spectacle retrace chronologiquement les débuts difficiles de la fille au théâtre des Nouveautés, son succès au Moulin Rouge, après quoi, vers 1913 elle risqua sa carrière en ouvrant une école d’art destinée aux jeunes filles démunies.
En ce 8 juillet 2012, la chaleur pèse en Avignon. Les rues, pleines d’affiches comme autant de créations sur papiers désirant attirer une poignée de spectateurs sont déjà, pour la plupart, cornées. Loin des remparts avignonnaises, dans la salle Montflavet, à quelques trente minutes de bus, se donne pour la première représentation Le Trait, que signe la chorégraphe et danseuse Nacera Belaza. Il est près de dix-huit heures : une file d’attente repose patiemment, dans un silence habitué. Le premier trait est lancé. Silence dans les rangs. Attention en préparation. Vide. Lumière. Solitude, trois mots pour -re-lier les trois pièces dansées que proposent cette oeuvre. Trois. Trois temps. Trois pièces. Trois espaces. Trois chorégraphies. Trois. Un solo et deux duo qui feront trois. Vont-ils se relier ? Le trait bat en retraite pour laisser place au cercle.
Dans son abécédaire, à la lettre L comme Littérature, Deleuze dit cette chose sur ce que c’est que de construire, que de donner vie à un personnage. La difficulté qu’il imagine à l’élaboration d’un sujet fictif. L’émerveillement qu’il a à découvrir un personnage et la fascination qu’il a à appréhender sa construction. Il pense aux romans de Musil, Melville ou Beckett, mais aussi aux personnages que la philosophie et les philosophes ont inventés comme Platon ou Nietzche. Christophe Honoré se demande lui : « Comment représenter un écrivain sur scène ? ». Comment donner corps et vie sur la scène aux écrivains du nouveau roman. C’est à dire comment figurer, rendre concret des auteurs qui n’ont eu de cesse, dans leur rapport à l’écriture, à l’art de s’opposer, de s’affronter à la notion bourgeoise de récit et de narration. C’est dans la cour du lycée Saint Joseph que « Nouveau roman » s’étale durant 3h45, entracte compris.
Du Nouveau Roman de Christophe Honoré, donné dans la cour Saint Joseph, c’est moins ce que le spectacle montre et présente que je conserverai, que ce qui, à l’évocation d’un nom, d’un mot… se rappelait à la mémoire et au souvenir. Entre 22H00 et 1H45, il était ainsi possible à l’esprit de se faire buissonnier… et de s’acquitter de son droit de spectateur mécontent. Ou quand il n’est d’autre scène que celle de l’imaginaire afin d’éviter, un peu, la déception lorsque la caricature et le grotesque, loin d’être des qualités, réfléchissent à terme la mise en scène d’un procès.
Avignon, le festival, sa 66ème édition est l’occasion pour Hortense Archambault et Vincent Baudriller d’associer Simon McBurney, acteur et metteur en scène anglais. C’est aussi une façon de mettre en avant la scène anglo-saxonne contemporaine. Le premier spectacle du festival est l’œuvre de William Kentridge, artiste sud-africain, tour à tour dessinateur, réalisateur de film d’animation et metteur en scène de théâtre ou d’opéra. Avec « Refuse the Hour »2 à l’Opéra–théâtre d’Avignon, le metteur en scène ouvre le festival en réfléchissant à ce désir et à cette absurdité de refuser le temps, de se rebeller, de s’opposer contre le cadre du temps. Ce travail n’est pas un manifeste mais plutôt une conférence composée de la parole de Kentridge accompagnée de ses films d’animation ainsi qu’une place très importante accordée à la danse et à la musique. La musique qui est à la fois tributaire du tempo et pouvant échapper à une temporalité. C’est à partir d’un dialogue qu’il a mis en place avec le physicien américain Peter Galison que « Refuse the Hour » a été pensé.
C’est à l’Opéra-Théâtre Avignon que William Kentridge présente Refuse the Hour (« La Négation du temps » est-il traduit). Et l’on croirait presque à une « private joke » quand on songe que c’est sur la place de l’Horloge que Kentridge fait la proposition d’interroger le Temps, le Chronos, le Time, die Zeit… qui, avec l’espace, est l’une des catégories fondamentales de la pensée et de la philosophie. Une proposition (souligne-t-on dans le programme) qui a tout à voir avec la fantaisie, le journal intime comme, aussi, l’autoportrait pour celui qui, en 2010, recevait le prix de Kyoto d’Arts et Philosophie.
Une adaptation visuelle du roman fantastique
Seize chaises inoccupées. Deux micros en avant scène crépitent d'impatience. Lorsque vingt-deux heures retentit dans la Cour d'Honneur du Palais des Papes, quelques spectateurs retardataires rejoignent rapidement leur place. Les minutes passent puis, comme par enchantement, une lignée d'acteurs entre en scène. La lumière du public s'assombrit alors peu à peu. Les comédiens s'assoient sur leur chaise. Juste le temps d'une respiration et nous voilà lancés pour l'ouverture du 66 festival d'Avignon le 7 juillet 2012. Dans une mise en scène foisonnante de mots et d'images, Simon Mcburney nous donne à voir une adaptation fidèle du roman de Mikhaïl Boulgakov. Le maître et Marguerite nous transporte dans différents lieux, différentes époques à travers différents styles de jeu. L'artiste avec humour, surprise et émotion réalise un spectacle dont la beauté des images nous illumine. Sur fond de critique sociale, Simon McBurney partage sa vision d'un monde infini, d'une longue et entraînante histoire.
Alors que le théâtre universitaire européen n’a jamais été aussi dynamique, il faut également faire le constat qu’il n’a pas les moyens d’être visible. Le plus souvent cantonné à des manifestations qui ne sortent pas des campus, il est partiellement ignoré. A Hildesheim, les départements de théâtre et de médiation semblent vouloir rompre avec cet état de fait et investissent la ville devenue le lieu de rendez-vous de formations universitaires européennes… Lituaniens, portugais, islandais (allemands, autrichiens)… Performances et projets trouvent à se manifester dans différents endroits de la ville de Basse-Saxe. Tout y est organisé par les étudiants soutenus par différents partenaires et notamment l’université.
Au Théâtre du jeu de Paume d’Aix-en-Provence, Joel Pommerat présentait La Grande et fabuleuse histoire du commerce. Un drame quotidien saisi entre 68 et nos jours… Le lieu d’un mal être qui s’installe durablement, soutenu par 5 comédiens (Eric Forterre, Ludovic Molière, Hervé Blanc, Jean-Claude Perrin, Patrick Bebi) qui campent la « beaufitude » présente.
Installé au Bois de l’Aune – dont l’équipe met en place un programme résolument tourné vers le théâtre et les pratiques contemporaines qui fera de ce lieu un espace rare des arts de la scène – le Radeau de François Tanguy et Laurence Chable présente Onzième[1], en tournée depuis sa création le 3 novembre 2011, salle Gabily au TNB. Une nouvelle création en forme de parade funèbre et grotesque, une sorte de vaudeville métaphysique d’une élégance tenue à la gravité. Avec Laurence Chable, Fosco Corliano, Claudie Douet, Muriel Hélary, Vincent Joly, Carole Paimpol, Karine Pierre, Jean Rochereau, Boris Sirdey... parmi les images d'arbres qui sont récurrentes à Onzième. Manière pour Tanguy, de convoquer l'arbre d'Hölderlin, l'arbuste beckettien, l'Olivier de Rilke, l'arbre qui traverse la gueule d'Artaud dans un autoportrait de 1947... ou quand l'arbre, et bientôt, en nombre la forêt, est une traversée... ce qu'est Onzième.
Ça sent le sapin… expression un rien familière qui dit que ça puera bientôt la mort en cette période de Noël où nous porte Maison de Poupée. Au Théâtre du Gymnase à Marseille, Jean-Louis Martinelli présentait Maison de Poupée d’Ibsen. Une mise en scène contemporaine, où le divan déposé en front de scène, indique clairement que l’on va autopsier les boîtes crâniennes, les consciences…Un peu plus de deux heures après… et sous le charme d’un bande d’acteurs rompus à l’exercice théâtral, Ibsen est bien notre contemporain.
Qui aura eu le temps de passer à l’étage du Bois de l’Aune aura pu marcher dans l’exposition Masqué d’Erhard Stiefel, parmi ses masques, d’ici et d’ailleurs, accrochés au mur qui sont comme autant de miroirs qui réfléchissent le portrait de celui qui les regarde. Et qui venait voir Le Chemin Solitaire d’Arthur Schnitzler proposait par les tg/STAN savait que le viennois aimait lui aussi les vies masquées et dédoublées. Un peu plus d’une heure plus tard, les STAN se retirent. Keersmaeker, De Schrijver, Gramser, Vercruyssen ou les STAN (StopThinking About Names, dit l’acronyme et la devise)
Michel Didym, le fondateur de la Mousson d’été (festival européen consacré à la promotion des auteurs et des textes contemporains), en auteur, en tant que metteur en scène, comme acteur aussi, ne pouvait pas, parce qu’il aime les mots et les textes, ignorer Desproges. Entre un Beckett, Botho Strauss, Schnitzler, Koltès, Valetti, Hanoch Levin (dont je me souviens encore, un soir à la Comédie de Caen, à la belle époque de Dubois) que Didym a mis en scène… Desproges est comme un type avec qui le Directeur du Théâtre de la Manufacture dialogue. En 2003, tout d’abord, avec Les animaux ne savent pas qu’ils vont mourir. Une première mise en scène où la compagne de Pierre Desproges l’épaule dans l’œuvre inachevée qu’a laissée Monsieur Cyclopède. Puis à la réouverture de la Manufacture, en 2011, Michel Didym, en compagnie de deux grandes actrices ( Christine Murillo et Dominique Valadié) créera Chroniques d’une haine ordinaire[1]. Du nom que Desproges avait choisi pour animer quotidiennement les ondes de France Inter, de février 1986 à juin de la même année, sur un jingle de Paolo Conté. Avant de mourir d’un cancer le 18 avril 1988. Ou quand Desproges, ponctuant ses Chroniques, finissait par « quant au mois de mars, je le dis sans aucune arrière-pensée politique, ça m’étonnerait qu’il passe l’hiver »…En janvier au Théâtre du Jeu de Paume, on entendait Desproges encore.
De mémoire, achevant d’écrire sur Description d’un Combat présenté en 2009, au Gymnase Aubanel, je concluais en disant que cette pièce chorégraphique avait à voir avec l’enjeu d’un homme qui se tiendrait debout. En tête, la sculpture de Giacometti « l’homme qui marche » faisait écho au souvenir de quelques lignes lues chez Deleuze sur ce qui menace la personne : la « honte ». L’un et l’autre s’étaient imposés à mon esprit, et avec elles une certaine idée du cours de l’Histoire s’était fait jour qui prenait son origine, chez Maguy Marin, dans la guerre de Troie : la mort de Patrocle pleurée par Achille.
« Tel qu’il est, il me plait
Il me fait de l’effet
…Et je l’ai- ai- me ! »
Fréhel chanteuse populaire
Crée au Centre Pompidou de Metz l’an dernier, puis repris au festival Via, au Manège de Maubeuge, à la Ménagerie de Verre à Paris… Kolik aura connu une belle tournée soutenue par l’Onda et l’institut français, avant d’être programmé dans le cadre du festival Actoral, en ce début d’automne, au Théâtre de la Criée, à Marseille. C’est là, dans la petite salle, à deux pas du vieux port et de ses terrasses peuplées, que le metteur en scène Hubert Colas donne à entendre, à regarder, à sentir… la vitalité, la nervosité, la rugosité, du texte de Goetz (traduit par Olivier Cadiot et Christine Seghezzi). Un solo d’une heure de Thierry Raynaud où l’acteur, incarnant une prose amok, arrache au récit un chant cruel et hémorragique fait de sursauts explosifs, de souffles rentrés, de mots expulsés, de rythmes dissymétriques, d’hésitations en deuil… où un recueil de balises indomptées, d’angoisses irrépressibles, d’épisodes et de spasmes d’une vie tourmentée. Une sorte de voyage au bout de la nuit qu’est une vie sans fard.
La chorégraphe belge Anne Teresa de Keersmaker, qui la semaine passée présentait à l’aurore sa dernière création intitulée « Cesena », investit cette fois la cour du Lycée Saint Joseph, où l’on pouvait voir l’une de ses premières pièces, « Fase, four movements to the music of Steve Reich » (1982). Comme son nom l’indique, il s’agit d’une pièce chorégraphique conçue à partir de la musique du compositeur américain Steve Reich.
Un vent froid s’engouffre dans la Cour d’Honneur du Palais des Papes en ce soir de juillet. Dernière création à occuper le lieu pour cette édition 2011, Sang et Roses. Le chant de Jeanne et Gilles de Tom Lanoye, mis en scène par Guy Cassiers -directeur du Toneelhuis d’Anvers- est sur le point de commencer. Les chanteurs du Collegium Vocale de Gent qui prennent place donnent la note pour le début du spectacle.
A la manière de Jean-Pierre Thibaudat qui n’aura pas vu Mademoiselle Julie et se sera néanmoins fendu d’un papier critique à l’endroit de Juliette Binoche (qu’il nomme « l’Actrice »)… A la manière de Jean-Pierre Thibaudat que l’on nommera « l’Auteur » nous aurions pu écrire un article évoquant Low pieces de Xavier Leroy sans l’avoir vu, sans même l’avoir entendu… pour la seule raison que le festivalier (que l’on nommera la Rumeur) n’en faisait pas l’article, bien au contraire. Ainsi, à la manière de l’Auteur et de la Rumeur, il était envisageable de ne pas retenir le Low pieces de Xavier Leroy (que l’on pourrait nommer « Et ta sœur »). Mais parce que nous ne sommes pas l’Auteur, ni la Rumeur, nous avons donc été, au Gymnase du Lycée Mistral, voir « Et ta sœur » (je veux dire Low pieces ). Titre postiche, convenons-en, titre ou expression qui, dans le langage populaire, marque un désaccord lequel exprime « qu’il ne faut pas nous la faire ».
Théâtre ? Performance ? Le dernier spectacle de Romeo Castellucci pose à nouveau la question de la dénomination des pratiques du spectacle vivant. Sul concetto di volto nel Figlio di Dio, création présentée cette année en Avignon, est une forme où le drame n’a pas la place centrale qu’on lui attribue habituellement. Une construction pourtant très ordonnée et précise, qui ne laisse pas de place à l’improvisation.
Le festival d’Avignon propose une projection de l’événement, enregistré au Théâtre royal de La Monnaie de Bruxelles le 20 février 2011, comme un témoignage du travail réalisé cet hiver. Atmosphère studieuse dans le Tinel de la Chartreuse, le gradin est aux trois quarts plein et c’est dans le silence que le public attend sagement en lisant la feuille de salle, comme une révision de dernière minute avant l’examen de l’événement scénique wagnérien. Ecoute attentive de la brève présentation de Romeo Castellucci et Christian Longchamp, directeur adjoint de la Monnaie, à l’origine de la création de ce Parsifal. Par avance, ils nous préviennent que la projection n’offre malheureusement pas la même perception qu’une représentation. On le vérifiera. C’est la première fois que Romeo Castellucci s’essaie à la mise en scène d’opéra. Le metteur en scène italien est connu pour son approche singulière des textes. Plasticien de formation, c’est à travers l’image que Castellucci formule ses pensées : dans les spectacles de la Raffaello Sanzio, il n’y a quasiment pas de paroles sur scène. On se souvient de la Divine Comédie, présentée lors de l’édition 2008 du festival d’Avignon, sans un seul vers de Dante. Comment Romeo Castellucci va-t-il faire face à Parsifal ? Contraint de respecter le dispositif de l’opéra et le livret de Wagner - plus de quatre heures de texte chanté - que va-t-il proposer ?
A la carrière Boulbon se joue sans doute l’un des événements de ce Festival d’Avignon, à savoir la dernière création de Wajdi Mouawad. Spectacle somme, Des femmes n’est pas moins que trois tragédies de Sophocle : Les Trachiniennes, Antigone et Electre. Cette création s’inscrit dans un vaste projet du metteur en scène de monter l’intégralité des tragédies de l’auteur grec qui nous sont parvenues. Après la trilogie des Femmes suivront le duo des Héros, puis celui des Mourants, regroupant respectivement Ajax et Œdipe roi, Philoctète et Œdipe à Colone. Des Femmes est marqué par le sceau d’une nouvelle traduction réalisée par le poète Robert Davreu et la musique composée par Bertrand Cantat, grand absent des représentations d’Avignon. Durant une nuit (la traversée dure plus de six heures), Wajdi Mouawad propose une tragédie musicale où se côtoient spectaculaire et démesure, confirmant son goût pour le tragique et une certaine esthétique du kitsch.
Romeo Castellucci revient à Avignon avec une nouvelle création, après avoir été l’un des artistes associés de l’édition 2008 du festival, qui accueillit trois de ses pièces inspirés par La Divine Comédie de Dante : « Inferno » dans la Cour d’honneur, « Purgatorio » à Châteaublanc et Paradisio à l’Eglise des Célestins. Pour la première représentation française de son dernier spectacle « Sur le concept du visage du fils de dieu », le metteur en scène italien investit l’Opéra-théâtre qui domine la place de l’horloge, un joli théâtre à l’italienne avec ses balcons d’époque et son plafond peint. Le faste du lieu va rapidement contraster avec l’atmosphère du spectacle. Dans l’orchestre ça s’agite fiévreusement avant le début de la représentation, la musique de Scott Gibbons avec lequel s’est associé le metteur en scène, crée une ambiance inquiétante, bruits métalliques dissonants se mêlent aux inquiétudes des spectateurs qui s’échangent à demi-voix des anecdotes, des bruits de couloirs. On entend quelques vagues rumeurs au parfum de scandale énonçant des huées d’intégristes.
Cinq danseurs, un musicien composent l’équipe de VIOLET, dernière création de la chorégraphe américaine, installée en Europe depuis vingt ans. Présentée à la salle de spectacle de Vedène, il s’agit d’un des derniers spectacles de cette 65e édition du Festival d’Avignon. En 2004, Meg Stuart y était déjà présente dans une collaboration avec Benoît Lachambre et Hahn Rowe, Forgeries, Love and Other Matters.
Cecilia Bengolea et François Chaignaud forment un duo de chorégraphes efficace. Depuis leur rencontre en 2005, il enchaîne des créations des plus insolentes. On rappellera à cet égard "Pâquerette" (2005-2008), une création érogène qui se proposait d’après les dires des chorégraphes de « faire danser tous les orifices et l’anus en particulier », et "Sylphides", présentée en 2009 à Avignon, qui interrogeait la matérialité du corps recouvert d’une enveloppe de latex. Cette année le duo iconoclaste apparaît dans deux créations du festival, d’une part dans (M)IMOSA en association les chorégraphes Marlene Monteiro Freitas et Trajal Harrel, et Danses libres crée en 2010. Ces deux pièces chorégraphiques reviennent sur des moments méconnus de l’Histoire de la danse. "(M)IMOSA" met en lumière le voguing, pratique marginale forgée dans les quartiers de Harlem à New York au début des années 60, tandis que "Danses libres" fait revivre le répertoire chorégraphique d’une personnalité oubliée du début du XXe siècle. Bond dans le temps…
À la marge d’Avignon et de son effervescence intramuros, le 65e festival propose à la scène nationale de Cavaillon : « Kristin, Nach Fräulen Julie » mis en scène et en images par Katie Mitchell, Leo Wagner dans le cadre d’une création de la Schaubühne Berlin en 2010. Ce spectacle présenté pour trois représentations fait écho à la Mademoiselle Julie proposée au Gymnase Aubanel, au chœur de la cité des Papes par Frédéric Fisbach. Deux visions, deux spectacles qui impriment au texte de Strindberg leur lecture. D’un côté une vision assez classique dans un décor contemporain 1 et de l’autre une scénographie classique pour un regard original. En effet, Katie Mitchell a décidé d’exposer Kristin, la cuisinière, la « fiancée » de Jean : « c’est comme ça que nous disons » répond-elle à Julie. C’est le point de vue du personnage en retrait, en coulisses de cette pièce. Personnage qui devient l’héroïne du film mis en scène dont nous sommes spectateurs de sa fabrication à sa réalisation. C’est à travers ce personnage que nous sommes les témoins de cette nuit de la Saint Jean où Julie « la maîtresse de maison » et Jean « le valet » vont sceller leurs destins. Les caméras suivent la discrète Kristin, spectatrice malheureuse et digne de ce drame.
Dans un grouillement de sons qui est tout d’abord inarticulé et indistinct, mais qui gagne en puissance sonore et s’entend au final comme une parole aux mots presque audibles, commence Sur le Concept du visage du fils de Dieu de Romeo Castellucci. Dans une heure, deux personnes commenceront à se bousculer dans l’Opéra-Théâtre et il faudra les séparer pendant qu’un autre, à l’orchestre, gueulera son dégoût contre cette création (« remboursez ! c’est une honte ») et les applaudissements au salut des comédiens. Petit tumulte, à Avignon, devant celui qui, en régie, regarde et aura prévenu « Voici le début. Je veux rencontrer Jésus dans sa longue absence »…
Gymnase Aubanel, Frédéric Fisbach présente sa dernière création, Mademoiselle Julie d’August Strindberg, avec dans les rôles titre Juliette Binoche, Nicolas Bouchaud et Bénédicte Cerutti. Avec la complicité de Laurent P. Berger à la scénographie, Fisbach signe une mise en scène volontairement actualisée et contemporaine de cette tragédie naturaliste, selon les propres mots de l’auteur. Histoire d’une passion amoureuse se déroulant le temps de la nuit de la Saint Jean, la pièce écrite en 1888 se présente comme un champ de bataille entre guerre des sexes et lutte des classes dans lequel des êtres complexes s’affrontent non pas avec des armes mais des mots.
Créée en mars 2011 au Théâtre de Gennevilliers et reprise du 18 au 24 juillet au Tinel de la Chartreuse de Villeneuve Lez Avignon, L’indestructible Madame Richard Wagner, écrite et mise en scène par Christophe Fiat, retrace 150 ans d’histoire culturelle et politique à travers la figure féminine de Cosima Wagner. Entre faits historiques précis et extrapolations imaginaires, le récit propose une « théorie de l’indestructibilité ». Un théâtre minimaliste où les corps sont les principaux vecteurs d’une parole poétique.
Dans le Cloître de Célestins, après « Life and times (chronique d’une vie) » du Nature Theater of Oklahoma, où il était question d’une histoire personnelle, individuelle nous sommes invités à découvrir « Exposition universelle », la dernière création de L’A, Compagnie de danse de Rachid Ouramdane. C’est un solo dansé que propose Rachid Ouramdane accompagné au plateau par le musicien Jean-Baptiste Julien. Un touche à tout qui de la guitare à l’harmonium, du piano à queue aux percussions en passant par les « sampleurs » accompagne et suit, Ouramdane danseur. Ce solo est le travail d’une équipe dans laquelle chacun développe sa discipline, des lumières de Yves Godin, de la scénographie de Sylvain Giraudeau au travail visuel de Jacques Hoepffner en passant par le maquillage de « La Bourette ». Ce sont des espaces de création qui en travaillant à ce projet sont traversés par leurs identités et par leurs interdépendances. Un solo en plein air qui en une heure nous emmène dans un questionnement autour du culte de la personnalité et du corps, de l’ordre, des modèles « fascisants » et de notre positionnement face à eux.
Un peu loin de brouhaha de centre ville d’Avignon, qui bouillonne de l’air festif, le théâtre hors-mur de Chartreuse de Villeneuve lez Avignon, appelé Tinel de Chartreuse, attend les spectateurs « exilés » du centre. Dans le temps doux après un orage, le théâtre ouvre ses portes aux gens, pour la première représentation à cette ville de L’Indestructible Madame Richard Wagner. L’épopée d’une femme, Cosima Wagner, admirée et haïe, est maintenant raconté au 65ème Festival d’Avignon, par quatre comédiennes-récitante et un comédien-récitant, avec un souffle de « rock » et d’hélicoptères de F.F.Coppola...
Vu à Caen, en novembre derniers, Francois Berreur est à l'Auditorium du Grand-Avignon-Le Pontet pour Ebauche d'un portrait. Ou une mise en scène intime et sobre, drà´le et sérieuse de la vie de Jean-Luc Lagarce à partir de son Journal publié aux Solitaires intempestifs[1]. Un travail o๠Laurent Poitrenaux (alias Jean-Luc Lagarce), discute avec lui-même, fait son courrier et répond aux autres, pense et se pense à travers sa vie, la maladie, sa famille, le théâtre, l'amitié...ou l'histoire d'un temps compté dont on aurait conscience.
Dans l’obscurité remplie d’air tiède et humide de l’été, la nouvelle création de François Verret s’inaugure au cour du Lycée Saint-Joseph dans le cadre du 65e Festival d’Avignon. Une musique en live vigoureuse de tristesse, de solitude, ou de folie envahit l’espace dès le début, pendant 1h15 : une durée largement raccourcie au fil de création. Les acteurs, les danseurs, les musiciens, les circassiens, 8 artistes de différents disciplines se réunissent sur un plateau étendu, déroulent un spectacle de « temps complet »...
Soir de Générale au Cloître des Célestins où le chorégraphe et danseur Rachid Ouramdane, accompagné sur scène par le compositeur Jean-Baptiste Julien, présente Exposition Universelle. Une pièce chorégraphique d’une heure qui développe une atmosphère étrange, au rythme d’une partition chorégraphique et musicale parfaitement maîtrisée. Impression de quelque chose qui ressortirait de la lecture de Blanchot, peut-être Thomas l'obscur, où aux premières pages du roman, Thomas, sortant pour la première fois dans la rue, se fait bousculer et prend conscience de la fragilité et de l'hostilité qui sont inséparables... Pièce bousculante qu' Exposition Universelle.
Embarqués avec les malles du Théâtre de Gennevilliers, les élèves du conservatoire Edgar Varèse et Guillaume Grammont apparaissent, le temps de chanter simplement Happe de Baschung, dans la nouvelle création de Pascal Rambert Clôture de l’amour, présentée salle Benoît XII. Deux heures plus tard, un sourire en coin et heureux sans doute d’avoir croisé un semblable, Michel Jonasz (vous vous souvenez de La Chanson des vieux amants) s’inquiète de savoir si on peut trouver le livre. « Sur la table à côté Michel. C’est aux Solitaires intempestifs… »… Et lui, qui a tant écrit sur le motif amoureux, de lancer simplement un « merci. Salut les gars » avant de partir le livre à la main où il relira l’histoire de deux monologues, dans un amour qui n’est plus analogue.
Nourrie à la « rock critic » revendicative des années 70 et aux concerts de musiques amplifiées, Fanny de Chaillé, qui fut, aux heures perdues de l’adolescence, également musicienne dans un groupe de rock, a finalement choisi le théâtre, la danse et la performance pour s’exprimer sur un plateau. Celle qui est aujourd’hui artiste associée au Théâtre de la Cité internationale à Paris créait, en 2007, le spectacle « Gonzo Conférence » pour le Festival We Want Rock’n Roll. Sur le chemin d’une tournée généreuse, le spectacle s’arrêtait ce 17 juillet à Avignon, au gymanase du lycée Saint Joseph (Vingt-cinquième heure). Dans cette conférence-performative à deux voix d’une durée de 40 minutes, Fanny de Chaillé traverse les codes musicaux et théâtraux pour un hymne au rock distancié, un peu convenu.
Qui connaît le Théâtre de Gennevilliers reconnaît immédiatement son plateau 3 sur lequel nous avons pu voir « 16 ans » mis en scène par Pascal Rambert directeur du T2G. Cette salle de répétition est transposée à Avignon dans la salle Benoît XII pour accueillir « Clôture de l’amour » dernière création de Rambert. Gennevilliers s’inscrit dans Avignon comme une déclaration de l’attachement de Rambert à ses deux villes de théâtre. Insciption aussi d’un espace de la banlieue parisienne au cœur du Festival, rue des Teinturiers. « Clôture de l’amour » expose, surexpose la rupture d’un couple, une explosion ou un essorage qui s’écrit dans un espace concret et public. Ce lieu sera traversé par la chorale de Gennevilliers pour répéter et interpréter Happe de Bashung. Chanson qui clôt la parole de l’homme et qui ouvre la réponse de la femme. Ce sont Stanislas Nordey et Audrey Bonnet qui interprètent les rôles de Stan et Audrey. Une écriture que Pascal Rambert a voulu pour eux. En Amoureux des acteurs, de leurs voix et de leur corps, il leur a écrit un texte violent qu’ils vivent plus qu’ils ne jouent. Le motif de la rupture, du déchirement que Rambert a déjà mis en scène dans un court-métrage Car Wash.
Dans le jour naissant, ce samedi 16 juillet, Anne Teresa De Keersmaeker et et Björn Schmelzer présentent en avant première mondiale leur dernière création, Cesena. Donnée dans la Cour d’Honneur du Palais des Papes à 4h30 du matin, Cesena est le pendant d’En Atendant, créée par la chorégraphe flamande en 2010 au Cloître des Célestins. N’utilisant aucune lumière artificielle, les deux pièces se répondent. Là où la première laissait le spectateur dans le crépuscule, la deuxième le convoque à l’aube.
La recherche de l’alliance entre le mouvement et la musique ancienne de l’Ars Subtilior est au cœur de ces deux créations. Dans ce second opus, la compagnie Rosas accueille sur le plateau l’ensemble Graindelavoix pour une communion des voix et des corps.
Ce soir-là, aux « tartines » (nom de code qui désigne l’espace familier que l’on donne à la place qui sert de « cantine » à l’insensé), la discussion va son train. Elle a commencé à la sortie du stade de Bagatelle, après que les rédacteurs de l’insense-scenes.net ont vu Levée des conflits de Boris Charmatz. Elle a continué tout au long de la traversée du Rhône, a pris des accents d’engueulades courtoises et enjouées dans le dédale de rues d’Avignon. Elle n’a pas faibli tout le temps que le pain s’échangeait et que le cliquetis des fourchettes s’entendait comme un duel à fleuret moucheté, dans l’obscurité, place des Corps Saints. Retour sur un désaccord qui, paradoxalement, advient à la suite d’une pièce qui traitait de la « levée des conflits ».
Après « Enfant » présenté dans la cour d’honneur, Boris Charmatz et son équipe nous invitent à découvrir ou redécouvrir « Levée des conflits » au stade de Bagatelle sur l’île de la Barthelasse. Une proposition qui se joue aux pieds des remparts d’Avignon, un abandon du centre pour se retrouver à danser sur l’herbe d’un stade de football. Un confort mis de côté pour chercher une liberté adolescente d’une danse en plein champ. Espace choisi qui fait du pont le lien du festival et de la danse. Une installation dansée à laquelle on est convié mais qui se présente comme un spectacle en quadri frontal. Ce projet a été créé il y a deux ans pour le festival « Mettre en scène » à Rennes. Charmatz raconte qu’il l’imagine comme une installation plastique pour un collectif de 24 danseurs. « Levée des conflits » s’appui sur l’idée que cette chorégraphie pourrait être vu dans son entièreté à chaque seconde. Ce spectacle est composé de 25 mouvements que chaque danseur en décalage exécute. Ce qui produit un tableau vivant donnant à voir à chaque instant la totalité des gestes qui compose l’ensemble de la chorégraphie. Une installation qui nomme la fin d’un combat et qui se fabrique en canon.
Devant 2000 milles spectateurs, sur les 600 m2 du plateau, à l’abri de murs de plus de 30 mètres de haut, Anne Teresa de Keersmaeker fait entrer Cesena dans la légende de la cour du Palais des Papes et l’histoire des chorégraphes qui y ont été produits. Dans le prolongement d’En Atendant qui s’achevait, Cloître des Célestins, dans la nuit ; Cesena commence quelques minutes seulement avant le levé du soleil. D’une rare beauté liée à la grâce des corps et des voix, à l’évidemment de l’espace et à l’épurement du mouvement, Cesena touche, à « ce que dit la nuit profonde » comme il est écrit par Nietzsche, dans le chant de Zarathoustra.
14 juillet, 21H15. Nous embraquons à bord de la navette direction l’auditorium du Grand Avignon-le-Pontet. Le long du trajet, comme pour pallier au feu d’artifice que nous ne verrons pas ce soir, le ciel se teinte de bleu et de rose, et le levé de lune nous émeut dans une contemplation commune. Puis les bavardages reprennent et l’on entend ça et là les échos des derniers spectacles vus, les bons plans à se refiler ou encore les « oh non non , n’y va pas, ça ne vaut rien… » Cruel Avignon… Nous sommes en route pour « (M)IMOSA Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church (M) ». C’est le titre, tel un message codé et référencé, de la création à quatre mains des chorégraphes, danseurs et performeurs Cécilia Bengolea, Francois Chaignaud, Marlene Monteiro Freitas et Trajal Harrell. Crée en février 2011 à The Kitchen, New York, présenté entre autre au festival Anticodes de Chaillot, au CDC de Toulouse, et au Quartz à Brest (où C. Bengolea et F. Chaignaud sont artistes associés), le spectacle semble avoir bénéficié de critiques flatteuses et d’un bouche à oreilles efficace : on se bouscule pour avoir les derniers billets, et on déborde du gradin. Loin des pastels de la fin du jour, c’est avec le noir, le fluo et les paillettes que la nuit s’ouvre, pour une création interrogeant la danse contemporaine à travers la culture du voguing et par le prisme des identités diffractées de ces quatre auteurs-interprètes.
Le printemps Tunisien qui s’éternise parce que la démocratie se gagne… le spectateur était confronté à Amnesia, des metteurs en scène Jalila Baccar et Fadhel Jaïbi, unis au théâtre comme dans la vie pour le meilleur et pour le pire. Salle de Montfavet, c’est une pièce à thèse qui est donnée… On la prend ou pas.
C ‘est en Avril 2010, à Tunis qu’Amnésia a été créée. C’est en juillet 2011, à Avignon que ce spectacle nous a été donné à voir. Entre ces deux dates, un peu plus d’un an et surtout une révolution en Tunisie qui a abouti à la destitution du « président » Ben Ali. Ce général, alors premier ministre de Habib Bourguiba prend le pouvoir en novembre 1987. Habib Bourguiba est déclaré par un collège de médecins inapte à la fonction de président en raison de son incapacité mentale. « Sept médecins dont deux militaires sont convoqués en pleine nuit, non pas au chevet du malade Bourguiba, mais au ministère de l’Intérieur. Parmi eux se trouve l’actuel médecin du président, le cardiologue et général Mohamed Gueddiche. Ben Ali somme les représentants de la faculté d’établir un avis médical d’incapacité du président. « Je n’ai pas vu Bourguiba depuis deux ans » proteste un des médecins. « Cela ne fait rien ! Signe ! » tranche le général Ben Ali. »1. Amnésia est le second volet d’une trilogie voulu par Jalila Baccar et Fadhel Jaibi, comme une interrogation sur l’histoire tunisienne. La première pièce : « Corps otages » parcourais la Tunisie sur cinquante ans de 1956 à 2006. Fadhel Jaïbi précise qu’un « pays sans mémoire est un pays qui ne sait jamais où il va ». Yahia Yaïch – Amnésia donne le ton de cette volonté de mémoire en racontant la destitution du président Yaïch prisonnier d’un pouvoir politique légitimé le pouvoir médical. Président imaginé comme Chaplin imagine son dictateur, c’est à dire inscrite dans l’Histoire.
Unwort… Comment traduire ? « sans mot », « autour des mots »… William Forsythe qui occupe l’Eglise des Célestins, dans la 65ème édition du festival déjà à mi-parcours, signe ce que l’on appelle une « installation ». Sur le sol de l’église dont la façade de pierres blanches entretenues masque la vétusté d’une ruine intérieure, le public est libre de déambuler. Ruines qui sont le décor naturel et architectural d’une œuvre plastique elle-même soumise à la déconstruction.
Serrés sur le gradin du gymnase du lycée Mistral, nous étions nombreux hier soir à assister à la dernière pièce du duo fracassant Sophie Perez / Xavier Boussiron, au titre aussi évocateur que mystérieux : « Oncle Gourdin ». Treizième création de la compagnie du Zerep, c’est pourtant pour la première fois qu’elle est accueillie au festival d’Avignon. À croire que ces enfants terribles du théâtre et des arts plastiques ont longtemps inquiété par leur prédilection pour le mauvais goût et la mise en pièce des codes du spectacle, avant de pouvoir se creuser un nid au sein du « prestigieux festival ». Il n’est donc pas étonnant qu’« Oncle Gourdin » soit une pièce sur mesure, où une bande de lutins graveleux « jouent au théâtre » pour rompre l’ennui, taillant de beaux costards tout au long du chemin.
Un peu moins d’une heure, c’est le temps que dure … Du Printemps mis en scène par Thierry Thieû Niang. Ou l’histoire d’un livret Le Sacre du printemps d’Igor Stravinski qui fit scandale en son temps, et qui proposé au Gymnase Saint Joseph, dans le cadre du 65ème festival d’Avignon, remporte les suffrages de la salle. Retour sur l’applaudimètre…
« Life and Times » est le projet ambitieux de Pavol Liska et Kelly Copper. Deux jeunes new yorkais qui font le pari fou de raconter l’entière et absolument banale vie de Kristin Worrall, une américaine de 34 ans. Enregistrements téléphoniques à l’appui, le couple de metteur en scène a divisé le récit en dix épisodes. Au cours du 1er opus, d’une durée de 3h30, le récit brosse les huit premières années de la jeune femme. La petite enfance est racontée en musique, en chant et en danse par la troupe du Nature Theater of Oklaoma et renvoie la salle à ses propres souvenirs… Une expérience sur la longueur pour éprouver l’ennui ou purger ses passions…
En ce 13 juillet au Cloître des Célestins, le public est partagé. A la sortie, ceux qui avaient pris leur billet pour aller voir le deuxième épisode programmé à minuit hésitent... Beaucoup s’abstiendront.
Cloître des Célestins, Kelly Copper& Pavol Liska qui ont fondé la Nature theater of Oklahoma proposent ce qui ressemble à une comédie musicale : Life and Times (chroniques d’une vie) épisodes 1 et 2. Soit pas loin de 5H30 de chansons dansées, en deux temps, qui obligent Kelly and Pavol, en préambule de l’épisode 1, à demander au spectateur de ne pas partir à l’entracte, et de rester pour le 2nd épisode. Précaution vaine puisque l’espace des Célestins se videra partiellement au motif, sans doute, que ce type de « performance » fantaisiste ressemble à son titre : long et répétitif. Comme la conversation téléphonique qu'elle restitue...
C’est calme Avignon, un soir de mistral et de presque pluie. Les touristes du théâtre ont presque disparu. Images de fin de juillet où tous auraient rangé leurs costumes de festival : femme sandwich pour un « seule en scène » émouvant, joyeux drilles roses pour une spectacle en chanson hilarant, serveuses souriantes et exploités, spectateurs avides de comédie, de profondeur et d’un bon resto après. C’est calme Avignon donc pour un 13 juillet. Mais il faut sans doute ce calme et ce presque vide pour qu’apparaissent les invisibles, les rats qui fouillent les poubelles, les marginaux qui cherchent un abri pour la nuit et les lutins qui se terrent sous Avignon et qui récupèrent à la surface les déchets du théâtre. Nous sommes nombreux dans ce Gymnase du Mistral pour voir cette famille de trolls dans « Oncle Gourdin ». Salle qui devient un refuge au vent qui la nomme et qui accueille la Compagnie du Zerep pour sa création. Zerep anacyclique du nom de la metteur en scène. Un nom de compagnie qui dit que le théâtre se renverse, se malaxe, se désosse.
Ecole d’Art, 23H00… Dans la vingt cinquième heure, Sylvain George propose une mise en espace de Et nous brûlerons une à une les villes endormies. Une œuvre vidéo, musicale, poétique, sur la situation des clandestins qui attendent une opportunité pour passer le Channel. Une œuvre construite sous forme fragmentaire, soutenue ponctuellement par l’harmonica d’Olivier « Diabolo » Paltsou, et la voix de Valérie Dréville en récitante. Une respiration aussi poétique que violente dans la lignée et l’influence de Ginsberg contre les barbaries légales.
Au cloître des Carmes, la dernière pièce de Vincent Macaigne d’après Hamlet de William Shakespeare avec Samuel Achache, Laure Calamy, Jean-Charles Clichet, Julie Lesgages, Emmanuel Matte, Rodolphe Poulain, Pascal Rénéric et Sylvain Sounier, est un combat joyeux, sans souci de préservation de l’original du vieux barde. Un théâtre comme un champ de bataille, ou une aire de jeu pour enfants, auquel tous participent furieusement, jusqu’aux spectateurs dont l’artiste a besoin pour continuer à inventer son spectacle.
Dans la vieille rue des Teinturiers, où le monde avignonnais circule difficilement, il faut se frayer un passage pour arriver jusqu’au petit théâtre de l’Albatros. Là-bas, toute la journée, les spectacles s’enchaînent. A 18h30, tous les jours jusqu’au 23 juillet, le public peut se risquer à découvrir "Cecilem le Cinéma !", un concert-spectacle mis en scène par Michel Vivier. Point de cinéma au programme de ce concert d’1h15 mais bien de la chanson. Variété.
En alternance avec Paranoïa, Elise Vigier et Marcial Di Fonzo Bo présentent L’Entêtement de Rafael Spregelburd.Seconde création qui, après que Paranoïa nous a conduit dans l’espace artificiel des Telenovelas, revient à la réalité et à l’histoire de l’Espagne prise dans l’étau de 1936. Pièce radicalement différente de la première, même si, en définitive, la langue hispanisante unit l’une à l’autre, L’Entêtement rappelle ce que parler veut dire, ce que prendre la parole induit, ce que le langage porte d’essentiel, de vital, d’originaire. Soit deux pièces, Paranoïa où la parole est juste désuète et économique, quand L’Entêtement explicite que le discours est politique, que le langage est un enjeu ontologique. Salon presque philosophique à Vedène...
A deux pas du Cloître des Célestins, au restaurant que l’on a baptisé Tartines pour ses tranches de pain aux anchois, huile d’olive, oignons et tomates… Nadia Xerri-L arrive un peu à la manière de tous les artistes qui occupent le In et le Off du 65ème Festival d’Avignon. Un peu à la bourre, décoiffée, une petite robe à fleurs humbles tenue par un ruban un peu plus épais. Le visage souriant et néanmoins l’air un peu fatigué, elle assure à La Manufacture la présentation de deux de ses spectacles, écrits et mis en scène par elle : Le Chemin du But et Julie Telle que. Deux créations qu’elle reprend et qui lui ont assuré plus d’une soixantaine de dates en France. Retour sur Julie Telle que…Monologue intime et paroles testamentaires de Julie, interprétée par la comédienne Shams El Karoui.
En lieu et place du Cloître des Carmes, Vincent Macaigne livre sa première création avignonnaise : une libre adaptation de "Hamlet".
Spectacle de 3h30 avec entracte, "Au moins j’aurai laissé un beau cadavre" est le résultat d’un désir, celui de dialoguer avec les grands dramaturges ; d’une urgence, celle de clamer son désaccord avec le système en perdition ; d’un appel, celui de la révolte et de la lutte artistique.
Présentés séparément, mais figurant les deux derniers volets d’un ensemble intitulé l’Heptalogie, les textes Paranoïa et L’Entêtement de Rafael Spregelburd, librement inspirés des Sept Péchés Capitaux de Jérome Bosch, sont joués à la salle Vedène-Espace Bardi dans une mise en scène de Marcial Di Fonzo Bo et Elise Viger. Retour sur Paranoïa, ou 2H20 en immersion…
Samedi 9 juillet, 17h00, Olivia Grandville présente et interprète sa dernière création Le cabaret discrépant , avec Vincent Dupont, Catherine Legrand, Sylvain Prunenec, Pascal Quéneau et Manuel Vallade. Une interrogation sur certains enjeux de la danse contemporaine, en forme de récital « hypergraphique, infinitésimal et polémique », à travers les textes visionnaires d’Isidore Isou, pour déborder hors des cadres, entre installations et performances, jusque dans l’imaginaire du spectateur.
Les 8 et 9 juillet, la Vingt-cinquième heure sonnait pour Xavier Le Roy. Dans le cadre de cette programmation dédiée aux formes atypiques et performatives, le chorégraphe présentait Produit d’autres circonstances, une « non-pièce » sur l’art du butoh créée à la demande de Boris Charmatz en 2009. Reprise sur la scène de l’Ecole d’Art d’Avignon, la proposition déroute en ce qu’elle met en scène l’acte de création lui-même. L’œuvre est détrônée au profit de la dé-monstration de son processus.
« I Destroy, I destroy, I destroy » lançait Angelica Lidell dans le Cloître des Carmes l’an dernier. Vincent Macaigne, qui occupe le lieu aujourd’hui, pourrait bien avec Au moins j’aurai laissé un beau cadavre faire écho à ce cri de guerre où les « words, words, words » d’Hamlet sont balayés. Scandale ? Le petit Prince a trouvé à qui parler… Pas certain toutefois que ça parle à tout le monde… même au bout de 3H40, avec entracte.
Sous le ciel étoilé de la cour du lycée Saint Joseph s'est déroulée la deuxième création de Patrice Chéreau, de l'auteur norvégien Jon Fosse. I am the Wind est un naufrage au seuil de la mort. Jack Laskey et Tom Brooke créent un spectral duo , où l'Un et l'Autre errent au périple de la mer et du vent.
Au cloître des Carmes, Vincent Macaigne présente une adaptation d’Hamlet qui s’appelle « Au moins j’aurai laissé un beau cadavre ». Plus qu’adapter, l’auteur - metteur en scène, imagine un dialogue avec l’œuvre de Shakespeare. Ce dialogue se veut dans l’urgence de faire du théâtre, de rester debout dans un monde en crise. Mettant en scène une variation autour, d’Hamlet, Macaigne, tente une représentation du chaos, du bruyant, utilisant tous les artifices du théâtre. C’est un monde sur scène qui agencent l’hétérogénéité du monde, les strates de l’histoire et la bordélique ville d’Avignon en juillet. Rappelant que le metteur en scène voit dans Hamlet, un personnage vivant dans l’urgence et se reconstruisant dans la haine pour légitimer sa violence, il recourt à la représentation de cette violence par le cri et les engueulades. Les acteurs ne se parlent plus, ils s’invectivent, s’aboient dessus. C’est une représentation du monde qui ne saurait plus se parler.
Maudits soyons-nous d'applaudir l'œuvre de Angelica Liddell, rayonnante et magistralement debout, habitant pendant pas moins de trois heures trente, la salle Montfavet avec son nouveau spectacle : Maldito sea el hombre : Projet d'alphabétisation.
La madrilène a l'an passé, conquis le public Avignonnais avec La Casa de la Fuerza, spectacle dont Angelica Liddell explique qu'il « relevait le défi de me survivre à moi-même. Pas de médiation, pas de personnage. Rien que la pornographie de l'âme ». Après l'expression pure de la douleur, l'artiste développe un second tableau, qui nous renvoie toujours à sa profonde solitude. Elle choisit cette fois-ci d'utiliser l'innocence pour nous parler de son extinction et des lésions irréparables de l'enfance, créant un abécédaire clairement teinté de son récent apprentissage de la langue française. E comme enfance, B comme bande, Z pour Zidane...
Fort d’une expérience de deux ans au Musée de la danse 1, Boris Charmatz, l’artiste associé à ce 65ème Festival d’Avignon a avec Hortense Archambault et Vincent Baudriller voulu cette édition sous le signe du collectif. Un collectif qui ferait du festival lui-même une œuvre d’art aux multiples facettes composée de chacun des spectacles. C’est l’enfance qui est à l’honneur pour ce festival. Nous avons pu voir, « Petit projet de la matière » et « Sun » qui mettaient en scène des enfants. Pour l’ouverture de la cour d’honneur, Boris Charmatz propose un spectacle avec 26 enfants et 9 danseurs. Cette proposition est sobrement appelée « Enfant ». Nous assistons à un spectacle où nous sommes interrogés sur le rapport que nous entretenons à l’enfance. Une réflexion où se mêlent la beauté, la violence et l’abandon. Cet abandon qui est plus près du lâcher prise, du laisser-faire que du renoncement. Un abandon qui donne aux danseurs petits et grands une responsabilité vis-à-vis de la chorégraphie. C’est aussi un abandon de l’effet de mise en scène et du spectaculaire au profit de notre capacité à construire nos histoires, notre narration à partir de nos sensations, de notre imaginaire et de notre mémoire.
Il est 17H00 et la salle Monfavet est pleine. Dans le programme du festival, Angelica Lidell proposera dans quelques instants Maldito sea el Hombre que confia en el hombre: un projet d’alphabétisation. Ça durera, 3H15 entracte compris. Après La Casa de la fuerza, la fidélité d’Hortense Archambault et Vincent Baudriller au travail de la chorégraphe et femme de théâtre espagnole donnera au festivalier le sentiment d’une charge féroce (le texte surtitré) et d’une mise en scène presque pastorale et parfois contemplative.
Installé à la Chartreuse de Villeneuve Lez Avignon, Terra Nova1 est un parallèle entre l'exploration de notre perception et la quête dramatique du pôle Sud par Robert Falcon Scott. Eric Joris co-met en scène avec Stef de Paepel un genre théâtral inquiétant et fascinant. A partir des textes du poète belge Peter Verhelst, la langue prend un aspect incantatoire. Le projet a pour démarche singulière de déplacer le spectateur, par l'expérience des corps plus que par celle des mots, vers un espace personnel inconnu.
Ce jeudi 7 juillet, à 22H00, rang L de la Cour d’Honneur du Palais des Papes, un ministre de la culture arrive un peu en retard et oblige ainsi les assis à se relever. Spectre lointain d’une standing ovation contrainte. Bientôt il souffrira la bronca du Peuple de la Cour quand David Lescot aura rappelé les agressions dont sont victimes les communautés artistiques. De mémoire, les sifflets qui couvriront le bruit des martinets, et la durée de cette interpellation rageuse qui dit un ras le bol, une détestation et une déliaison, valaient bien ceux de tous les spectacles qui furent malmenés dans ce lieu.
Enfant, la création de Boris Charmatz, commencerait ensuite au retour du silence. Commencement où dès les premiers instants, on percevait qu’il s’agirait d’une ode, d’un chant, d’une symphonie libre, radicale, fascinante… Ou, en jeu, il serait question de quelque chose qui cède, qui rompt, qui casse, comme le claquement des agrafes le fera résonner, afin qu’une chose qui ne soit plus épiphanique ni mimétique soit livrée et trouve un passage.
La salle de l'Opéra-Théâtre, a accueilli ce Mercredi 6 juillet, en ouverture du festival d'Avignon, le spectacle d'Arthur Nauzyciel : Jan Karski (Mon nom est une fiction). C'est accompagné de comédiens et collaborateurs de multiples nationalités et de différentes disciplines, que Nauziciel met en scène cette année, une adaptation du Roman de Yannick Haenel. Il choisit de prendre à bras le corps un sujet épineux : celui de la mémoire de la grande histoire et du massacre de la Shoah, au travers de la figure de Jan Karski, témoin et porte parole de la grande abîme qu'a laissé l'Humanité face à elle même.
Sans qu’il puisse être question d’hommage posthume à Odile Duboc (décédée en avril 2010), ouvrir le festival d’Avignon, au Gymnase du lycée Mistral, avec Petit Projet de la matière d’Anne-Karine Lescop relevait d’un clin d’œil amical de Boris Charmatz : chorégraphe et artiste associé de la 65ème édition du festival, complice d’Odile Duboc, à la fin des années 1990. Ce 6 juillet, et comme évoqué le matin à la conférence de presse de l’Ecole d’Art, « l’enfance » serait au rendez-vous, à commencer par ces trentes minutes où 16 petits jeunes, de 6 à 11 ans, viennent au plateau… à pieds du quartier Monclar.
Ça commence, la 65ème édition du festival s’ouvre avec une conférence de presse sous le signe de l’ouverture, du plaisir et de « l’enfant ». Boris Charmatz raconte comment le titre « Enfant » s’est imposé comme une évidence dans sa simplicité, au singulier alors qu’il présente une pièce avec 26 enfants et une dizaine d’adulte. Ensuite Anne-Karine Lescop parle de son « Petit projet de la matière », une création avec 16 enfants de 6 à 11 ans. Le travail s'est imaginé à partir de la création du « Projet de la matière » d’Odile Duboc qui a commencé en 1993 et à laquelle Anne-Karine Lescop a participé en tant que danseuse. Elle se souvient qu’en 1993, Odile Duboc venait de prendre la direction du CCN de Belfort et qu’elle avait pris le temps de travailler avec son équipe. C’était le début du « Projet de la matière » qui allait modifier profondément le rapport qu’Odile Duboc entretenait avec la danse et le mouvement. Ce travail autour de la matière a été manifestement une aventure essentielle pour Anne-Karine Lescop puisqu’il y a deux ans, elle a voulu le transmettre, ou plutôt le questionner et le partager avec des enfants de cour élémentaire. Cette volonté ou cette nécessité a reçu l’appui d’Odile Duboc, elle qui a refusé à ses pièces de se produire après sa disparition en avril 2010.
Il est un peu plus de 22H00, dans la carrière de Boulbon, quand commence la première de Le Suicidé qui durera 2H30. Une pièce de Nicolas Erdman, écrite en 1928, après un premier succès Le Mandat produit peu avant. Patrick Pineau, le metteur en scène, revient ainsi au Festival d’Avignon, après la cour d’Honneur du Palais des Papes qu’il occupa en 2004, avec Peer Gynt : une autre épopée si l’on veut bien considérer que celle de Sémione Sémionovitch Podsékalnikov (interprété par Patrick Pineau lui-même) tient lieu d’un récit épique aux accents étonnamment clownesques et bien trop souvent caricaturaux…
Annoncé comme l’un des thèmes de cette 65ème édition du Festival d’Avignon, « l’enfant », à moins qu’il ne s’agisse de « l’enfance » (mais ça n’appelle pas les mêmes réflexions) aura été au cœur de SUN, présenté dans la salle Benoît XII par Cyril Teste. D’une durée d’une heure et une quinzaine de minutes, SUN offre un spectacle visuel et sonore où la construction des images est la principale attraction… le principal décor.
Cyril Teste travaille au sein du collectif MxM qu’il dirige. Ce collectif regroupe plusieurs artistes qui se sont rencontrés il y a une dizaine d’années. Il est composé d’architecte, créateur lumière, robotique, musiciens, acteurs, dramaturge, programmeur vidéo, vidéaste… Cyril Teste est l’auteur et le metteur en scène de « Sun » présenté du 7 au 13 juillet dans la salle Benoît XII. « Sun » fait suite au spectacle « Reset » qui traitait aussi de l’enfance et nous nous rappellerons que le premier projet de ce collectif MxM était autour « d’ Alice » de Lewis Caroll. Au départ de ce projet un fait divers en Allemagne ou deux enfants vivants dans la même famille recomposée décident de partir en Afrique pour se marier. L’Afrique comme un eldorado où ils pourraient vivre leur amour sous le soleil, l’Afrique comme le continent où les parents auraient disparu. À partir de cette anecdote, Cyril Teste et son équipe ont travaillé autour du monde de l’enfance, des enfants dégagés des contraintes que les adultes leur imposent. En une heure et quart, nous assistons à un voyage initiatique de la préparation du départ à un voyage imaginaire et imaginé par ces enfants.
65ème édition du 6 au 26 juillet 2011
Depuis plus de quinze jours, et jusqu’au 17 juillet, la Fonderie-Théâtre du Radeau de François Tanguy accueille le Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. Période pendant laquelle le travail de Focused Research Team in Art as vehicle dirigé par Thomas Richards et Open Programm de Mario Biagini est présenté parmi d’autres temps consacrés à des rencontres, des projections et des débats jusqu’à la cantine où tout le monde prend son repas dans la simplicité. Séquences précieuses où il est question de théâtre et du rapport qu’il entretient avec les réalités…
« Bing » ! Soit un autre titre de Beckett ou une onomatopée pour marquer l'aveu d'un choc frontal total devant l'interprétation de Jean-Quentin Châtelain (Clov) et Serge Merlin (Hamm) dans le Fin de Partie de Beckett mis en scène par Alain Françon au Théâtre de la Madeleine. Moment rare de KO où les mots du critique, annonçons-le, auront quelque mal à rendre compte de ce qui fut, un peu moins de deux heures durant, un temps dévolu au jeu et à l'acteur qui sont les spectres et les compagnons[1] de nos solitudes dépassées. Et décider de faire valoir alors, en guise d'excuse minable et anachronique, deux mots de 1952, d'une lettre de Beckett à Michel Polac, ou une pensée : « Tout ce que j'ai pu savoir, je l'ai montré. Ce n'est pas beaucoup. Mais ça me suffit et largement. Je dirai même que je me serais contenté de moins. Quant à vouloir trouver à tout cela un sens plus large et plus élevé, à emporter après le spectacle, avec le programme et les esquimaux, je suis incapable d'en voir l'intérêt. Mais ce doit être possible ».
Curieusement, alors que je sors du Théâtre du Jeu de Paume d'Aix en Provence après avoir vu La Comédie des Erreurs de Shakespeare dans l'adaptation de Dan Jemmett, c'est aux éditions de Libération de mercredi et celle d'aujourd'hui 14 avril que je songe.
En travail, au sein des workshops, ou en représentation, dans l'espace public, la performance participative WE CAN BE HEROES se donne comme un rugissement de plaisir et de joie. Faisant du playback un réel exercice d'interprétation tant au niveau corporel qu'au niveau émotionnel, le Groupenfonction réunit, sur une même aire de jeu, l'art et la vie. Un bouillon de culture populaire au pouvoir régénérant.
Salves par la Compagnie Maguy Marin au 104 - Etablissement artistique de la ville de Paris -
Critiques Spectacles
Depuis l'inauguration médiatique de 2008, le 104 a connu une existence bien chaotique : un lieu trop coûteux, une gestion fortement contestée et un public qui ne vient pas. En novembre 2009, R. Cantarella et F. Fisbach annoncent leur départ et le lieu reste sans directeur jusqu'en juin 2010. Depuis la rentrée de septembre, la nouvelle direction, menée par Jose Manuel Gonçalves -ancien directeur de la Ferme du Buisson- tente de mettre un terme à cette période de tourments. La nouvelle politique propose notamment un programme commun avec le Théâtre de la Ville, Prolongations, qui permet d'accueillir dans le 19ème arrondissement ce qui sur les bords de la Seine a rencontré un succès remarquable. Cela a permis au public qui n'avait pas pu voir Salves dans la cadre du Festival d'Automne de profiter de trois représentations supplémentaires les 9,10 et 11 février 2011.
En cette mi février 2011, le Quai des Arts d'Argentan proposait un spectacle de marionnettes : Au fil d'Oedipe par la compagnie Les Anges au Plafond dirigé par Camille Trouvé. C'était l'occasion pour le Quai des Arts et pour l'insensé de mettre en place un atelier critique. Sur le quai B, la salle de répétition une table, des feuilles et des crayons nous attendent et nous accueillent. Autour de la table, Catherine, Léonie, Fanny et moi-même, trois générations parties et partantes pour deux heures à réfléchir, discuter et écrire sur ce spectacle.
Vanessa Larré signe au CDN d'Orléans une audacieuse plongée en apnée dans la langue de l'auteur allemand Franz Xaver Kroetz qu'elle déblaie de son naturalisme pour aller à la source de ses (im)pulsions angoissées.
« Un jour il m'a dit : « je vais faire du théâtre ». Vous imaginez ma tête. Et il a été recu au conservatoire. Vous imaginez mon état [...] Et maintenant, dans ma vie d'archives qui a manqué parfois de couleurs, lui c'est la lumière qu'il me donne ». Que le Père de Jean-Baptiste Sastre ne soit pas surpris de ces lignes que je rapporte et qui sont une partie de notre conversation, au Théâtre du Gymnase, alors que le hasard nous a placé cà´te à cà´te, à mi-parcours du rang « E ». A quelques mètres, seulement, de son fils qui reprend le Richard II de Shakespeare, après la cour d'honneur et Avignon cet été. Au Mistral qui soufflait ce mois de juillet-là , ce soir-là , la réception de ce travail n'avait rien à envier à sa fraîcheur. La polémique disputait à la politesse, le sein de leur mère hypocrisie. A défaut de la couronne de laurier que d'aucun n'aurait de toutes les manières jamais offerte à Sastre, on déshabillait cette mise en scène par quelques titres de presse qui jouait sur les mots « Richard II sans couronne » pouvait-on lire. Ou encore, trop heureux de voir Sastre l'imprévisible ne pas convertir les philistins, certaine jouissait de l'idée d'une chute du metteur en scène et d'un mimétisme avec la fiction « Richard II trébuche dans la cour d'honneur » lisait-on. Quelques critiques faisaient aussi l'éloge de la mise en scène et des comédiens.
« Ai terminé le Savoir-vivre. On verra »[1] écrivait Jean-Luc Lagarce le 26 janvier 1993. A partir de là , de cette phrase-là , une autre histoire commencait o๠Mireille Herbstmeyer, seule sur scène, donnerait à entendre les consignes du Manuel de savoir vivre de la Baronne Staffe. Autre histoire, éparse, que rapporte Jean-Luc Lagarce dans son journal. Comme le jour o๠Herbstmeyer lui fait part de ses inquiétudes. Geste de sincérité que Lagarce ne trouve pas « gentil ». Inquiétude vaine puisque cette pièce vaudra à son interprète d'être sacrée « Grande actrice virtuose » par Thibaudat, à Libération. Ou, et plus proche du public caennais qui voyait[2] pour la première fois cette pièce, histoire d'un spectacle qui fut répétée à la Comédie de Caen, l'après-midi, pendant les représentations du Malade Imaginaire, à l'époque o๠Michel Dubois en était le Patron. C'était en Novembre 1994, comme le rapporte Lagarce dans son journal. Et Francois Berreur de reprendre ce texte, à sa manière, dans le prolongement de la création qu'il en avait faite en 2000.
Ceci n'est pas une critique et Shy Dance n'est pas un spectacle. Ce qui suit est donc un témoignage qui tente de rendre compte d'un processus de travail, qui essaie de rendre sensible un commencement d'Å“uvre. Ceci n'est pas une critique et il n'y a aucune évaluation, aucun jugement, aucune expertise de cette Å“uvre en devenir. Ceci n'est pas une critique, mais la médiation d'un regard qui, tout en étant dans un processus de travail, demeure étranger malgré sa proximité. C'est que pour autant que le critique est absent, ses manques lui sont inhérents. Il n'est ni artiste, ni danseur, ni acteur. Il n'utilise pas son corps comme ceux qu'il regarde. Au mieux, il imagine, invente, spécule... sur ce qu'il voit et ce qu'il entend. Il essaie de se rapprocher d'un espace artistique qui, de toutes les manières, demeure fuyant ou secret. Le contact qu'il a avec l'Å“uvre est énigmatique. Le contact qu'il a avec un processus de travail l'est aussi. S'offre à lui, pourtant, dans l'instant de ce travail, une liberté qu'il a rarement. A l'écart, mais invité à suivre le début de ce travail, il est offert au critique une liberté soudaine. Les lignes qui suivent en rendent compte.
Après quatre éditions, la 5ème édition du projet SKITE se tient à Caen du 16 août au 12 septembre 2010, à l'initiative conjointe de l'association SKITE (Jean-Marc Adolphe) et l'association Danse Perspective (Michelle Latini), en partenariat avec l'Ecole supérieure d'arts et médias de Caen (ESAM), le Centre Chorégraphique National de Caen / Basse-Normandie, le CARGO, Les Ateliers intermédiaires, l'IMEC, le Théâtre de Caen, et avec le soutien de la région Basse-Normandie, de CulturesFrance, de la Ville de Caen.
Laboratoire pluridisciplinaire de formation et de recherche artistiques, le SKITE réunit une cinquantaine d'artistes émergents internationaux (danse, théâtre, arts visuels, musique...) auxquels se sont amalgamés des artistes de Caen et de sa région, dans le cadre d'ateliers de recherche, séminaires et rencontres ouverts ponctuellement au public. Et, surtout, un rnedz-vous les 9.10.11 septembre avec Fragments d'expériences, qui clà´turera ces "chantiers d'utopies. Certains de ces fragments auront ensuite une diffusion isolée ou groupée à travers l'Europe, et aux USA (New York), dans un second temps, de novembre 2010 à avril 2011.
L'insensé, site d'accompagnement du spectateur et espace critique suit au jour le jour les différents projets. Projets "performatifs", souvent, (formes brèves mêlant diverses pratiques artistiques, work in progress, dispositif hybride, installations et projets participatifs issus de ces quatre semaines de travail intensif.
Dans le jour déclinant, c'est une élégance urbaine qui investit le cloître des Célestins. En cette 64e édition du festival d'Avignon, Anne Teresa De Keersmaeker parie sur l'absence totale de décor et d'artifice et rend le lieu - l'un des refuges religieux les plus emblématiques du festival et de la ville, à l'histoire vieille de plus de six cents ans - éminemment présent au sein de sa partition chorégraphique et musicale. Choisissant l'ars subtilior, un courant de musique polyphonique du XIVe siècle, pour poursuivre sa recherche sur l'alliance entre musique et danse, la chorégraphe inscrit sa création 2010, « En atendant », dans un lien étroit à l'Histoire et au passé et s'affirme dans une esthétique de l'épure et du dépouillement.
Début d'une soirée d'été, le soleil n'est pas encore couché, la chaleur pesante avignonnaise s'estompe. Les festivaliers s'accumulent sur les gradins des Célestins. Ils attendent de voir la dernière création de la compagnie flamande Rosas dirigée par Anne Teresa de Keersmaeker : En atendant.
Rencontre avec Emilie Barrier en Avignon, artiste de rue.
"This is how you will disappear" de Gisèle Vienne. Quand ca disparait ca existe encore !
Critiques Spectacles
La chaleur nous accable pour cette 64ème édition du festival d'Avignon. Nous entrons dans le gymnase Aubanel o๠nous accueille la fraîcheur de la performance de Gisèle Vienne : « This is how you will disappear ». Malgré un titre inquiétant, c'est le lieu o๠nous nous sentons revivre.
Cette fraîcheur est sans doute liée à la scénographie que nous propose ce spectacle : une forêt. Nous sommes face à un paysage qui nous invite à la contemplation. Les quatre premiers mètres devant les gradins laisse apparaître un espace vide qui renforce ce dispositif. Ce proscenium, ce vide entre les spectateurs et le spectacle enjoint le public à observer à distance. Après cette distanciation, après cet espace sombre et vide apparaît la forêt. C'est une forêt dense. C'est dans cet espace à taille réelle que la représentation se déroule. Nous pouvons y voir le cadre d'un tableau ou bien un plan de cinéma avec dans les deux cas le choix d'une courte focale. Dans cet espace concret, le cadre ne nous laisse pas entrevoir la cime des arbres mais comme en peinture, en photo ou au cinéma, le cadre donne à voir au-delà de ce qu'il montre. Cette impression d'un espace réaliste dont la scène ne nous permet pas d'entrevoir tout est confortée par l'absence de profondeur et de perspective. Tout ce qui n'est pas là sous nos yeux est hors-cadre mais existe inexorablement. La cime des arbres par exemple est le premier élément qui a disparu. à‡a disparaît et ca existe encore.
C'est au cloître des Célestins, dans le cadre de la 64ème édition du In d'Avignon, qu' Anne Teresa de Keersmaeker a présenté En Atendant. Une pièce chorégraphique, pour huit danseurs habillés de noir et baskett colorées, qui tient en partie à l'intérêt de la chorégraphe pour l'ars subtilior, musique polyphonique du XIVème siècle. Å’uvre de Keersmaeker qui, commencant dans la lumière du jour s'étire jusqu'au début de la nuit...à la manière d'un film de Straub.
RENCONTRE FRANCO-RUSSE avec Pierre Bourel en Avignon pour sa création Ivan Karamazov : adaptation, jeu et mise en scène d'un chapitre des Frères Karamazov de Dostoïevski.
« Voilà comme vous disparaîtrez »... « C'est comme cela que ca va disparaître »... C'est « comme cela que tu disparaîtras »... Comment traduire sinon que « This is how you will disappear » de Gisèle Vienne, présenté au Gymnase Aubanel, est une pièce qui finalement pointe un passage. Peut-être une mutation. Peut-être encore une transformation...voire une prophétie ou un avertissement étrange.
La 15ème édition du festival1 de danse2 et des arts multiples3 de Marseille4 (F/D/Am/M) s'est déplacée au Pavillon Noir d'Aix-en-Provence qui accueillait pour la première fois en France Lenght of 100 Needles de Joseph Nadj, accompagné du compositeur Szilard Mezei. Une performance Danse, Musique, Arts Plastiques...chamanique.
Au Théâtre du jeu de Paume d’Aix-en-Provence, Joel Pommerat présentait La Grande et fabuleuse histoire du commerce. Un drame quotidien saisi entre 68 et nos jours… Le lieu d’un mal être qui s’installe durablement, soutenu par 5 comédiens (Eric Forterre, Ludovic Molière, Hervé Blanc, Jean-Claude Perrin, Patrick Bebi) qui campent la « beaufitude » présente.
Le 5 février 2010, Au Théâtre Aux Mains Nues, nous était présentée pour une représentation supplémentaire, Hamlet Machine d'Heiner Müller par la Compagnie Sans Soucis, mise en scène par Max Legoubé. En 1977, Heiner Müller réécrit le mythe d'Hamlet et propose ce texte condensé de la pièce de Shakespeare. Dans ces neuf pages, Heiner Müller interroge les mythes shakespeariens et grecs en cherchant à les transposer dans les années 50. Cette démarche commencée en 1961, temps de la construction d'un mur, avait pour objectif de transposer le mythe d'Hamlet en 1956, lors de l'insurrection de Budapest. Mais ce qu'écrit l'auteur, c'est l'incapacité de cette transposition en exposant une écriture fragmentaire. Du 20 janvier au 5 février 2010, ce spectacle était présenté dans cette petite salle parisienne programmant du théâtre de marionnettes. Retraçant l'historique de cette création, nous rappellerons qu'une des premières étapes a eu lieu sous la forme d'une performance en 2007. Nous avions pu découvrir l'avancée de ce travail, en 2008, dans le cadre de « Ceci n'est pas un festival » initié par Les Ateliers Intermédiaires. Lors des représentations en janvier, le projet a grandi et a trouvé son rythme et sa cohérence.
La compagnie Frappe-Tête Théâtre présentait le 2 février 2010, la première de sa dernière création : Bestiaire de la pensée. Cette unique représentation était visible à l'Archipel, scène conventionnée de Granville, adossée au casino. Après cette première, la compagnie reprendra ce spectacle dans deux mois pour une représentation unique encore à Ifs, dans la salle Jean Vilar. Cette tournée se poursuivra à la fin avril et au début mai par trois représentations. Deux d'entre elles auront lieu au Tanit Théâtre- La Filature de Lisieux dirigée par Éric Louviot et une à l'Eclat, Pont-Audemer. A travers l'exposition de cette tournée, nous mettons l'accent sur la difficulté pour une compagnie de montrer son travail dans des conditions optimum. La compagnie Frappe-Tête Théâtre va présenter son spectacle cinq fois dans la région dans quatre lieux différents et dans un intervalle de trois mois. Cela montre aussi le choix des programmateurs de n'accueillir qu'une représentation se coupant immédiatement d'un bouche-à-oreille possible.
« Les estivants » au TNB ...Retour vers le futur en la joyeuse compagnie d'Eric Lacascade
Réactions Spectacles
Il est terrible le petit bruit de la conscience quand il résonne dans la tête de celui qui ne connaît pas la faim ! ...dans la tête de celui qui ne connaît plus l'exploitation et la misère à l'état brut, c'est-à-dire dans cet état que l'on attribue aux classes laborieuses, qui caractérise les victimes d'un système libéral et capitaliste, qui s'organise (d'aucuns ne veulent plus le savoir) en lutte des classes !
Terrible ! Terrible donc le « bruit et la fureur » des « Estivants » montés et présentés par Eric Lacascade en ce début d'année au Théâtre National de Bretagne à Rennes.
Les Estivants pièce écrite par Gorki , et traduite par Markowicz fut créée en France par Michel Dubois dans les années 75/76. C'est un « clin d'œil » de la petite histoire que de voir Eric Lacascade s'attaquer à ce classique d'un théâtre que l'on dit politique.
Et de fait, on ressort de ces représentations avec la sensation d'une « interpellation » violemment politique ! On s'en prend plein la tronche ! Une sacrée claque...Difficile d'éviter les questions qui fâchent ! Du Daumier pur jus !
Bref, « pas beau à voir » (même si le spectacle est splendide) ce portrait en forme d'auto-portrait de CE QUE NOUS SOMMES.
Du 12 au 19 novembre 2009, Franck Dimech, fondateur du Théâtre de Ajmer, présentait Jumel, sa nouvelle création au théâtre de la Minoterie à Marseille. A partir d'un texte inédit de Fabrice Dupuy traitant des affres de la gémellité, le metteur en scène explore le processus de répétition-variation qui structure la parole et le rapport à l'autre. Un théâtre de la présence où corporéité rime avec animalité... Un théâtre du verbe où la parole devient logorrhée...
La scène nationale du Merlan, toujours guidée par la question du corps, présentait en ce début de janvier plusieurs pièces de Pippo Delbono. Le public marseillais aura eu l'occasion de découvrir Racconti Di Guigno (Récits de Juin), Enrico V, Questo Buio Feroce, ainsi que deux de ses films - La Paura et Grido. Du 14 au 16 janvier, le metteur en scène italien présentait sa dernière création, La Menzogna dont la première a eu lieu le 20 octobre 2008 au Teatro Stabile de Turin. Le directeur de ce théâtre avait suggéré à Pippo Delbono de baser son projet de création sur un drame qui avait ému l'Italie fin 2007. Le 5 décembre, un incendie se déclarait dans une usine turinoise de l'aciériste ThyssenKrupp coù»tant la vie de sept ouvriers.
Les Estivants de Maxime Gorki font un festival. Une mise en scène de Éric Lacascade
Critiques Spectacles
Jacques Lassalle mettant en scène "Les Estivants" en 1983 à la comédie française disait :
« Gorki était fasciné par Tchékhov, je le suis aussi. Je crois que c'est la pièce (Les Estivants) de Gorki qui rend le plus de compte à cette fascination pour Tchékhov. Autrement dit pour moi, dans ce rendez-vous différé à l'infini que je me suis donné avec Tchekhov, Les Estivants de Gorki c'est une manière de m'approche de Tchekhov aussi ».
Éric Lacascade après avoir pris rendez-vous brillamment avec les pièces de Tchekhov continue l'exploration de l'écriture de Maxime Gorki. En effet, il met en scène "Les Estivants" au TNB (Théâtre National de Bretagne) après avoir présentés les Barbares à Avignon en 2006 et en tournée en 2007.
Pour sa troisième année à la direction du Théâtre de Gennevilliers, Pascal Rambert revient in situ pour présenter son dernier spectacle intitulé "Une (micro) histoire économique du monde, dansée". Depuis "Toute la vie", ces dernières créations se sont faites à l'extérieur, c'est le cas par exemple de "Libido Sciendi" créé pour le festival de Montpellier danse en 2008 et de "Armide" un opéra de Lully créé à Houston en 2009.
Quand nous arrivons à Gennevilliers, nous sentons l'équipe du théâtre attentive et impatiente d'accueillir les spectateurs pour cette création « maison ». Le projet de ce spectacle est de regarder le monde à travers l'histoire de la pensée économique et de la relier avec la question de ce que l'art produit. Cette pensée passe par la réflexion sur les théories de Adam Smith, de Keynes ou de Karl Marx, observant les commentaires de Marcel Mauss sur les échanges chez les Maoris et sa théorie du don et du contre don, ayant une attention pour Blaise Pascal et sa pascaline (grand-mère de la calculatrice), à Montaigne, à Mallarmé sans oublier le mécanisme des subprimes déclencheur d'un effet domino aboutissant à la crise actuelle. Pour exposer, ces théories, Pascal Rambert a composé avec le philosophe Eric Méchoulan un texte qui expose dans un langage parlé (réinventé chaque soir) et réflexif, les différentes théories s'appuyant au maximum à ce que le plateau déploie d'humanité et de singularité. En effet, Pascal Rambert dans ce spectacle multiplie les différences, les perspectives et les reliefs.
Au Pavillon Noir Angelin Preljocaj dansait Le Funambule de Genêt, devant une salle comble qui salua le danseur, le chorégraphe et ici la voix d'un poète. Une heure solo pour faire écho à un chant d'amour.
J'anime des ateliers d'écriture en Francophonie depuis 31 ans cet automne. En arrivant ici, comme agent de l'éducation populaire, je ne pouvais pas, me semblait-il, contourner Michel Onfray. J'ai donc commencé avec l'intégralité de ses chroniques dans Siné-hebdo, qui lui conféraient son statut de rebelle patenté. Ouais... sympa qu'il s'oppose ainsi à cet empaillé de Philippe Val. A part, ça, pour le contenu, si détection d'un sursaut de pensée vive, me prévenir, moi, je n'ai rien constaté. Qu'à cela ne tienne, insisté-je, il ne saurait y avoir autant de bruit pour rien...
A l'occasion du colloque[1] « Koltès, démons, chimères et autres métamorphoses » qui s'est tenu dans les foyers du Théâtre de Caen, en marge de cet événement qui aura témoigné de l'Å“uvre de Bernard-Marie Koltès (y compris cinématographique puisque l'on a pu assister à la projection au Café des images, entre autres, de La nuit perdue), les organisateurs de ces journées d'études ont eu à cÅ“ur de faire venir Koltès Voyages, mis en scène par Bruno Boà¹Â«glin. Travail présenté dans l'auditorium de l'ESAM et dans la Grange aux Dîmes de l'IMEC Ardenne.
De son dernier spectacle, mort et réincarné en cow-boy, au festival Mettre en scène à l'initiative du Théâtre National de Bretagne 2009, si l'on osait un titre à la « Libé », nous opterions pour « Garcia, chute de cheval ». Accident dont on souhaiterait qu'il se relevât prochainement. Libération ne se fera donc pas l'écho de cette dernière création car c'est sans doute la production du metteur en scène hispano-argentin la moins concluante. On connaît l'attachement de René Solis, la plume théâtrale de Libération qui n'a jamais manqué de commenter le moindre geste esthétique de cet artiste controversé suivi et défendu depuis ses débuts en France. A ce titre, cette forme de fidélité, entre un artiste et un critique, sur la durée est honorable, à condition d'en faire une fidélité critique de tous les instants, y compris et surtout dans les moments de doute. Nous sommes dedans, tant le spectacle présenté par Garcia à Rennes est décevant.
Mélanie Demers, artiste chorégraphe québécoise, et Laïla Diallo qui travaille actuellement au Danse South West de Bornemouth en Angleterre présentaient "sense of self/ sauver sa peau" ce jeudi 22 octobre 2009 au Centre Chorégraphique National de Caen dirigé par Ella Fatoumi et Éric Lamoureux. Le Centre Chorégraphique National de Caen, le Centre Chorégraphique National du Havre, l'ODIA Normandie, le Dance South West de Bornemouth, le National Skills Academy en Grande-Bretagne ouvrent avec cette pièce, «COAST TO COAST», projet visant à enrichir les pratiques de part et d'autre de la Manche.
Il y a un an, en Septembre 2008, à Roubaix, David Bobée menait un stage avec les acteurs de L'Oiseau-Mouche. Ce stage se terminait par une présentation dans le studio de la compagnie nordiste. Un studio comme un grand grenier, tout en bois avec la quinzaine d'acteurs qui traversent l'univers de la compagnie Rictus. Dans cette présentation, les acteurs, avec l'innocence et la fébrilité d'un premier pas nous proposaient un cabaret décousu et déjà plein d'humanité. Un premier pas qui devait conduire quatre acteurs de L'Oiseau-Mouche et la compagnie Rictus à construire « Gilles » au Théâtre du Peuple de Bussang. Un spectacle construit comme un cabaret mélancolique et joyeux autour de la figure d'un homme.
Le Centre Dramatique de Vire est devenu un préau, c'est-à-dire un lieu où l'on s'abrite, là où les enfants jouent quand il pleut.Ça tombe bien, il pleut souvent en Basse-Normandie. Le préau est aussi un petit pré, mais celui dirigé par Pauline Sales et Vincent Garanger n'a rien d'un pré carré, il a plutôt à voir avec un champ ouvert où se croisent l'amateur de rave-party et le paysan du coin, le promeneur champêtre et le virois curieux. En plein bocage, on doit l'émergence de cet openfield et cette levée de barrières au duo, disons-le, au couple audacieux qui n'a pas usurpé sa nomination à la tête d'un établissement qui redevient un centre de foisonnement artistique. Acte 1 : Les orphelines de Marion Aubert.
Spectacle créé en résidence au Grand Théâtre de Provence d'Aix, Blanche Neige d'Angelin Preljocaj, en un peu moins de deux heures, invite la poésie et le style sur le plateau. De Disney, il ne reste peut être plus que ce que la mémoire du spectateur en conserve. Et c'est résolument dans la modernité que ce conte dansé entre. Comme s'il était guidé par un vers de Walser : « Prends du mouvement, saute et cours ».
Durant les ateliers critiques qui ont eu lieu les 11, 12 et 13 juillet, nous avons eu de la part des participants des critiques sur des cartes postales, via des enregistrements. Voilà leurs impressions des spectacles du 63e festival d'Avignon.
Vous pouvez envoyez vos réactions : insense.reaction@yahoo.com
10 juillet,
10h00,
Nous arrivons à Avignon quelques heures avant nos jeunes camarades critiques. Nous venons de passer deux jours à penser et imaginer notre atelier critique. Nous ne connaissons pas ceux avec qui nous allons fabriquer cet espace critique, ni dans quel cadre, ils s'inscrivent. Nous savons que c'est un partenariat entre la région de Basse-Normandie, des établissements scolaires, culturels ou sociaux et les CM1. Nous sommes dans la rue principale d'Avignon ou s'affichent commerces et spectacles dans l'effervescence du début de ce 63e festival. Nous sommes accueillis par le soleil et le mistral. C'est justement à l'école du petit mistral que nous allons rencontrer l'équipe des CÉMÉA qui encadre les jeunes bas-normands. C'est aussi dans cet espace à deux pas de l'agitation festivalière que nous prendrons nos quartiers dans une école maternelle d'une sérénité et d'un calme propice à la réflexion et à la discussion. Dans une cour, encadrée par trois bâtiments où se trouvent les classes, la cantine et un préau pour quatrième mur. L'équipe encadrante des CÉMÉA nous accueille, Annie, Éric, Stéphanie, Emeline, Pauline, Karine, Guillem, Pascale. Ils finalisent leur préparatif d'accueil. Les groupes qui arrivent de Basse-Normandie sont les premiers de cette édition. Tout le monde a l'air heureux de débuter et en même temps un peu tendu parce que des paramètres modifient les habitudes. En effet, la région Basse-Normandie est la seule région a mixé les participants, à savoir, mettre en relation des lycéens et des personnes en situation de handicap comme on dit. Notre atelier critique qui s'ajoute à leurs ateliers. Nous discutons un peu pour savoir comment l'équipe des CÉMÉA a prévu ce séjour. Nous sommes conscients que l'organisation pour cinq jours est complexe. Nous décidons que nous ferons notre atelier critique dans les interstices, les espaces non investis par l'organisation des CÉMÉA. Les ateliers critiques auront lieu tous les après-midi de 14 à 16 heures.
Pour la seconde année, le Conseil Régional de Basse-Normandie aura envoyé en Avignon pas loin de 70 élèves venus des établissements de Vire, Equeurdreville, Argentan et Caen. Du collège, de la classe d'enfants handicapées à la terminale, du lycée d'enseignement général aux classes d'insertion... c'est une petite communauté qui s'est découverte et formée, autour d'adultes et d'accompagnateurs, dans les écoles d'Avignon de Saint Ruff et Mistral aménagées pour l'occasion en lieux d'accueil et d'hébergement. Cinq jours de théâtre et de festival (du 10 au 15) formateurs..
La construction d'un spectacle comme Le Livre d'or de Jan est un projet ambitieux. Le point de départ de ce travail est de esquisser le portrait d'un personnage : Jan. Cette description est réalisée par une dizaine de personnages ayant une relation amicale, amoureuse voire fictive avec Jan. Il est absent. Cela donne une construction mentale d'un personnage par bribes, par indices. Mais on sent bien que cet absent n'est qu'un prétexte à définir d'une part chacun des personnages et d'autre part la philosophie de son travail. On apprend que Jan est un artiste contemporain. Il conçoit des installations plastiques qu'il nomme « Å“uvres sous vide 1, Å“uvre sous vide 2, etc. ». Il réunit cette communauté de neuf individus qui le connaissent plus ou moins bien. On ne sait pas vraiment, et le doute subsiste, si ce sont ses expériences qui font ses Å“uvres ou ses Å“uvres qui font expériences.
Peu avant 18H00, le public se presse dans le cloître qui abrite la salle du Tinel de la Chartreuse de Villeneuve Lez Avignon. Ceux qui sont là sont venus voir Une Fête pour Boris de Thomas Bernhard. Une Å“uvre écrite à la fin des années 60. Un texte dont la lecture nous rapproche immédiatement de la violence des Bonnes de Genet. Denis Marleau, invité à nouveau, se chargera de la mise en scène.
A la Chartreuse, dans cette deuxième partie du festival, Rachid Ouramdane nous propose sa nouvelle création au Tinel de Villeneuve lez Avignon. Pour ce travail, il est parti du témoignage de personnes de tous les continents ayant subi des sévices et des tortures. Témoignages réalisés avec finesse par Jenny Teng et Nathalie Gasdoué. A partir de ces paroles, il nous propose "Des témoins ordinaires", une plongée réflexive autour de la question du corps, de sa mémoire, de son utilisation et de son implacable présence dans les conflits.
Lentement la cour d'Honneur du Palais des Papes revient à la lumière du jour après qu'elle a été envahie par la nuit. D'un coup, le chant strident des oiseaux gagne le ciel avec les premières lueurs du soleil qui les montrent emprunter des trajectoires improbables. Sur les fauteuils, à la dernière de la trilogie que présentait Wajdi Mouawad, le peuple des spectateurs reprend ses couleurs estivales, abandonne les plaids bleus et bruns, et se levant, salue la performance du quebeco-libanais et de son groupe de compagnons. Sur la scène, avec les comédiens, puis bientà´t avec tous les acteurs de cette nuit, une vague d'applaudissements vient faire écho à la fresque Incendie, Littoral et Forêts donnée pendant un peu moins de douze heures.
Il y a quelques mois, Maguy Marin évoquait un travail sans titre. Un travail destiné au In d'Avignon et que l'on aura vu au Gymnase Aubanel en ce début de juillet. Elle parlait alors de ce qui n'était qu'une intuition. Elle évoquait « une ambition lyrique », une interrogation sur les « jeux mécaniques du corps », son attention pour « le rire comme expression incontrà´lée du fond ténébreux ». Elle disait son envie d'une matière sédimentée, construite par strates et dépà´ts. Dans ce qui n'était encore qu'évocation brève, préférant une préparation informelle, se gardant le temps de l'urgence en réserve, elle disait son plaisir de regarder des films burlesques avec son groupe de danseurs de Rilleux-La-Rappe.
Pas un exercice à quatre mains, non.
Pas feindre une synthèse, non.
Mais parler ensemble, jusque dans l'écrit.
Afficher un dialogue où la parole de l'un
et de l'autre gagne encore en proximité.
Et commencer avec Maguy Marin.
Difficile d'évoquer un spectacle, c'est ce qu'au mois d'avril, trois mois avant la première à Avignon, nous disait Maguy Marin. Difficile d'évoquer un spectacle, c'est ce qu'au mois de juillet, trois jours après la première de Description d'un combat, je pense quand je commence cette critique. La première chose à laquelle j'ai envie de faire référence, c'est ce que nous livrait Michel Foucault dans Le corps, lieu d'utopie.1
Après deux soli "Paupière" et "Sans-titre" pièce fondatrice d'une extrême profondeur avec la mère en toile de fond, la compagnie Itra confirme
avec ce rendez-vous collectif au Centre Chorégraphique (où les 18:60 sont un véritable succès public), qu'elle est une des équipes les plus stimulantes
du paysage chorégraphique régional. Lamarche-Damoure est un patronyme heureux. La chorégraphe, d'une grande discrétion, presque gênée d'être là, presque à s'excuser de nous
convier à cette ultime répétition publique avant la création, présente une exploration audacieuse de l'enfance dans une pièce intitulée "i".
Solo, autoportrait, performance... Die Gehà¤ngte de Silke Mansholt, invité par la Comédie de Caen, devrait être présenté dans l'une des éditions à venir du Festival d'Avignon. Un travail poétique et historique qui tient la raison en enfer, autant qu'elle invite un monde imaginaire... On la retrouvera l'an prochain, au CDN, avec in Memoriam Nature. A voir, à ne pas manquer.
Publié chez Actes Sud, Joà¹Â«l Pommerat est aujourd'hui l'une des figures de la scène contemporaine dont le théâtre ne finit jamais d'interpeller. Je tremble, I et II, présenté au Théâtre d'Hérouville, s'inscrit dans cette veine o๠le théâtre devient lieu de passage, espace de tensions entre comédiens, territoire de méditations pour le spectateur...
Les Drôles de dames en quête de Lewis Carroll - Charlie's Angel in Lewis Carroll's quest
Critiques Spectacles
C'est à l'Aire Libre (scène conventionnée à Saint-Jacques de la Lande) que s'est jouée la première de A.L.i.C.E de la compagnie Zabraka, écrit et mis en scène par Benoît Bradel . Ce spectacle propose de découvrir l'univers de Lewis Carroll. Un univers qui commence par une mise au point : Alice au pays des merveilles est la traduction « romantique » française because in english, the tittle is Alice in wonderland. Or comme le précise Benoît Bradel, « wonder » se traduit aussi par « se demander ». In fact, the translation could have been Alice aux pays des questions. C'est bien par ce biais là des questions, que l'équipe à décidé de nous emmener dans son show. Des questions sur l'Å“uvre de Lewis Carroll, des questions sur la langue, sur la mise en scène, sur les théories contemporaines de l'évolution, sur le personnage. Et toutes ces questions se retrouvent dans un univers éclaté et éclatant.
Le Théâtre2Gennevilliers dirigé par Pascal Rambert a proposé à Ronan Chéneau et à David Bobée, la production et l'accueil de la dernière création de la compagnie Rictus, dont les représentations ont eu lieu du 24 janvier au 14 février 2009. C'est dans ce cadre là qu'ils ont donc pensé leur spectacle, et c'est aussi pour David Bobée la volonté d'inscrire "Nos Enfants nous font peur quand on les croise dans la rue" dans le projet artistique du T2G.
Avec Le Neveu de Wittgenstein de Thomas Bernhard, adapté et mis en scène par Bernard Levy, le Théâtre de Caen accueillait l'un des grands acteurs de notre temps : Serge Merlin. Un acteur et une voix, rares en apparition. Un « acteur de cristal » qui, comme en rêvait Antonin Artaud, par sa présence et son souffle invite au voyage dans le monde de Thomas Bernhard dont il est le très proche.
Après Cannibales qui a rencontré un large public, Bobee et Cheneau prolongent leur travaux sur les questions de l'intime et du politique, sur le rapport qu'entretiennent les jeunes aujourd'hui avec leur identité et poursuivent activement leurs recherches théâtrales et chorégraphiques « au plus près du plateau » Nos enfants... » est le fruit d'une commande d'écriture du Centre Chorégraphique National de Caen pour son festival « Danse d'Ailleurs » avec pour thématique l'Afrique. L'auteur s'est donc emparé de ce qu'il y a d'Afrique « visible et invisible » en lui, autour de lui et dans la société française. Ce matériau a servi de support à la proposition scénique envisagée par D. Bobee en étroite collaboration avec le chorégraphe congolais D. Bidiefono.
Propulsés sur le devant de la scène de la danse contemporaine lors du concours de Bagnolet en 1990 avec Husaïs (prix SACD de la première Å“uvre), Héla Fattoumi et Eric Lamoureux opèrent aujourd'hui, au sein du CCN de Caen/Basse -Normandie, un retour à ce duo fondateur. A cette étape d'un parcours atypique, le couple de chorégraphes regarde par-dessus l'épaule et interroge le passé. Après 1000 départs de muscles (2007) dont le thème à résonance sociale interrogeait la place du corps dans nos sociétés occidentales et en particulier le mythe d'un corps idéal, magnifié et éternellement jeune, remettre Husaïs en chantier les ramène à l'intime.
Au Panta Théâtre, Antonin Ménard aura présenté Nous ne pouvons oublier que la folie soit un phénomène de pensée. Un travail exigeant qui entretient l'idée que la pratique du théâtre est un espace dévolu à la réflexion, à l'écoute, aux voix des penseurs dont le geste se trouve relayé par les comédiens (Grégory Guilbert, Hélène Poussin, Laurent Frattale, Mounira Taà¯rou) avec la participation de Jérà´me Bidaux et Angélique Colaisseau. Parfois énigmatique, recourant à une poétique du discontinu... La mise en scène est ici un laboratoire, un espace sonore et visuel o๠l'enjeu semble irrépressiblement lié à la volonté de faire apparaître chez le spectateur une expérience intérieure. Quête que le metteur en scène Antonin Ménard poursuit depuis la création de Chantier 21, sa compagnie, en 1996.
Nathalie Quintane, auteur de romans publiés chez POL, adapte le jeu en ligne déjanté Blektre, de Charles Torris. Yves-Noù«l Genod le met en scène. Surprise hors du commun.
« Créer un monde contre notre monde », « établir une autre réalité à côté de la réalité quotidienne », c'était le but déclaré du festival international DANCE, qui s'est déroulé entre le 25 octobre et le 8 novembre sous la devise « Contre-Mondes » (Gegenwelten) pour la onzième fois à Munich.
La mise en scène se cherche : à Paris, à New York comme à Buenos Aires. Elle se demande ce que le théâtre peut faire aujourd'hui pour attirer l'attention d'un spectateur sollicité par bien d'autres médias. Un reportage en Argentine de Patrice Pavis.
En matière de danse contemporaine, le paysage Bas-Normand est caractérisé par une certaine atrophie. Sans vouloir dresser un tableau clinique alarmant de l'état de la danse en région, relevons que trop peu d'équipes artistiques développent une recherche chorégraphique qui dépassera les frontières de la Normandie. Il est vrai que pour avoir du grain chorégraphique à moudre, il fait bon se rendre au Théâtre de Caen ou au CRAC de Cherbourg où l'on peut voir évoluer entre autres Kitsou Dubois et François Verret (artiste associé 2009-2010). Derrière la locomotive que constitue le Centre Chorégraphique dirigé par les Fattoumi/Lamoureux, seuls quelques wagons isolés parviennent avec plus ou moins de réussite à émerger progressivement. La compagnie Itra- Sophie Lamarche-Damour, la Venturacompagnie - Anna Ventura et Silenda. Cette dernière équipe proposait à l'hippocampe (Caen) une étape de travail de leur prochaine création intitulée l'ombra del bello - "still life and songs".
Etudier une population en situation de crise en accentue Les traits vers l'excès, mais enjoint les chercheurs à multiplier les perspectives et apporter des nuances à leurs avancées.
Les intermittents du spectacle, population hétérogène revendicatrice d'une parole d'exposition de soi et de dénonciation sociale, symbolisent les maux d'une société visant l'uniformisation tout en dérivant vers le traitement inégalitaire de ses citoyens. Sous la direction de Nicolas Pelissier, cet ouvrage s'astreint à proposer une analyse du rapport culture/média au prisme des intermittents du spectacle.
Le livre s'appuie principalement sur l'observation systématique des débats organisés au cours du Festival d'Avignon 2005. L'édition 2005 a été particulièrement agitéeâ : elle a été marquée par une campagne de dénigrement de la programmation et par une contestation assez forte, émanant d'une partie de la presse, de l'artiste invité Jan Fabre. Avignon s'est construit, depuis 1947, un mode d'articulation particulier entre culture et politique, entre théâtre et service public. Il existe un pacte fondateur du Festival, et tous les constats portent à croire qu'il n'a pas été profondément modifié au cours du temps.
A gauche du portail imposant de l'église Saint Jean - celle de Dijon qui est aujourd'hui un Centre Dramatique National dirigé par Francois Chattot - une immense affiche est tendue qui annonce le Hamlet mis en scène par Matthias Langhoff renommé : En manteau rouge, le matin traverse la rosée qui sur son passage paraît du sang ou Ham. And ex by William Shakespeare. Il est 17H00 ce samedi 6 décembre. Dans cinq heures, la représentation, la dernière, sera achevée...Hamlet, noces de sang et prince de guerre, reviendra à son état à jamais indépassable de spectre théâtral.
Ecrit en marge et en réaction à son livre "La mise en scène contemporaine", (Paris, Armand Colin, 2007), Patrice Pavis se livre à un auto-interrogatoire sans concession.
Le regard caustique de l'auteur porté sur les transformations de la mise en scène et l'environnement artistique constitue un prologue cocasse à son ouvrage qui fait référence dans le champ des études théâtrales et bien au-delà.
Parmi les scènes régionales qui se distinguent par leurs prises de risque éclairées, le théâtre municipal d'Argentan fait office de défricheur. Il tente de développer un projet culturel singulier dont la programmation artistique témoigne d'une volonté de cohérence et d'exigence qui permet à des populations de se confronter à des formes contemporaines de création remarquables et remarquées.
Ordet de Munk, présenté au festival d'Avignon cet été et applaudi par la critique, était donc au Théâtre de Caen ce mercredi 25 et jeudi 26 Novembre. Au vrai, les louanges adressées à Nauziciel pour ce travail auront semblé excessives. Car la pièce de Nauziciel repose une nouvelle fois la question de la lecture dramaturgique ou, dit autrement, comment une mise en scène s'égare et fait d'un texte, un prétexte.
Patrick Ramade (directeur du Musée des Beaux-arts de Caen) et Jean-Jacques Passera (directeur de l'école des beaux-arts) se sont associés pour présenter une exposition consacrée aux peintures et dessins d'Howard Barker. H. Barker, plus connu pour son Å“uvre théâtrale, comme dramaturge et poète, a retenu l'attention de Jean-Jacques Passera intéressé par ces « auteurs qui ouvrent leur Å“uvre sur plusieurs champs d'expressions ». Une visite de son atelier l'a conforté dans l'idée d'organiser une exposition à Caen.
Autour de celle-ci, en marge du catalogue réalisé pour cette exposition, est prévue une lecture d'extraits des Å“uvres théâtrales de Barker au Musée des Beaux-arts. En anglais et en francais, ce jeudi à 18H00. Une rencontre en préambule du cycle Barker à l'Odéon-Théâtre de l'Europe qui se tiendra du 8 au 11 janvier 2009.
C'était à Gennevilliers, pendant le festival des TJCC (festival des très jeunes créateurs contemporains) où se sont croisés durant trois jours Fiorenza Menini, Jonathan Capdevielle, Mathieu Bertholet, Raimund Hogue, Yves-Noù«l Genod, Valérie Jouve, Yann Kersalé et Thomas Ferrand. Cette manifestation impulsée par Pascal Rambert, directeur du maintenant T2G (Théâtre de Gennevilliers), et dont la programmation est faite par Laurent Goumarre : journaliste à France-culture qui non sans ironie nous présente la « très » jeune création contemporaine non pas à travers des jeunes créateurs ; qui ne sont garants d'aucune qualité, ni d'aucune audace, mais à travers des gestes créatifs singuliers. C'est dans ce cadre que Thomas Ferrand présentait son Hamlet de moins. En une demi-heure, nous pouvions voir un condensé d'Hamlet et autres fables de notre imaginaire shakespearien.
Arthur Nauzyciel met en scène Ordet, pièce du dramaturge et pasteur danois Kaj Munk écrite en 1925. D'une pièce sur les formes de la foi et la puissance de la parole incarnée, il tire un spectacle adroit qui fait du théâtre en lui-même une sorte d'acte de foi athée.
Depuis un siècle, chaque été, amateurs et professionnels se retrouvent dans un théâtre des Vosges, sur un site exceptionnel, pour des représentations qui déjouent tout folklore et toute complaisance.
Un peu plus qu'une compagnie, la Merce Cunningham Dance Company réfléchit quelque chose de l'histoire des arts qui, dès la fin des années 40, connaît sinon une rupture du moins une évolution parfois radicale en danse, au théâtre, en peinture, en musique, dans les arts plastiques... Un moment dans l'histoire de l'art qui va accélérer le décloisement des pratiques artistiques, brouiller la notion de genre, troubler le spectateur mis au contact de ces « nouvelles » expériences, de ces nouvelles oeuvres. C'est entre autres de cela dont il était question au Théâtre de Caen qui accueillait ce 21 et 22 octobre, deux pièces : Fabrications (1987) et Split Sides (2003) du chorégraphe américain.
La Comédie de Caen présentait sa Saison 2008/2009, ce 22 septembre. L'année dernière, contraint par des impératifs budgétaires la Comédie de Caen avait présenté une tran(s)aison 2007/2008 qui avait été très allégée.
"Le cumul est comme la constitution d'un stock, il n'est pas le contraire de la rareté, mais un effet de cette même rareté "
Gilles Deleuze, Le Nouvel archiviste, Fata Morgana, 1972, p. 16
Premier metteur en scène accueilli par la Comédie de Caen cette saison, Matthias Langhoff présente au 32 rue des Cordes « Dieu comme Patient », sous-titré ou légendé « Ainsi parlait Isidore Ducasse », alias le comte de Lautréamont. Une mise en scène pour évoquer ( et descendre) dans une succession de visuels sonores, entre autres, dans l'espace que forment Les chants de Maldoror...
Devant un parterre de journalistes de la presse locale réunie le jeudi 18 septembre, Patrick Foll, directeur du Théâtre de Caen, accueillait le Député-Maire Philippe Duron pour la présentation de la saison 2008-2009. Présents également Michel Dubois (maire adjoint à la culture) et Samia Chehab (nouvelle responsable de l'innovation culturelle)...ainsi que divers partenaires de la programmation.
François Verret est en répétition de son prochain spectacle Cabaret à La Brèche / Crac de Cherbourg et nous proposait une répétition publique ce 7 octobre 2008.